domingo, 27 de febrero de 2011

Jumpstyle, un salto de internet a las calles de la ciudad


informador.com.mx / Redacción

Nacieron con resortes en las piernas. Pasan horas del día brincando en sitios públicos. 18 hombres y una mujer. Ninguno rebasa los 24 años. Todos son tapatíos. Se hacen llamar Jump Lords (Caballeros del salto). Pueden hacer cine con un celular y animación de una sentada. Son autodidactas por correspondencia: alumnos de Youtube. Los domingos rebotan en el camellón de la avenida Chapultepec, en Guadalajara. Su “enfermedad” se llama Jumpstyle. Es contagiosa.Contagiosa y de rápida diseminación.

Jumpstyle tiene 4.1 millones de referencias en el buscador Google. La web lo describe como una tendencia musical, una técnica dancística, una pandemia. Nació en Bélgica, en 1990. En el portal Youtube hay 188 mil videos. Si alguien desea sentirse viejo debe verlos. O ir al camellón de Chapultepec un domingo. Los bailarines giran, se acuclillan, se expanden... Pero lo suyo, lo suyo, es brincar. Se llaman jumper. Tienen gurús melódicos: Zatox, Noiscontrollers, Headhunterz, Coone, Showtek… La música suena igual que sus autores.



Lo de los nombres es una marca del género. Acá no hay Panchos, Chavas, Rigos. No. Entre los Jump Lords, por ejemplo, al que le habían puesto Jorge Santillán se rebautizó como “Antonaif”. Cristofer Casas es“Krizzhard”; Javier Jiménez, “Sparks”; Juancho, de doce años de edad, “TotalControler”. Nombres de internet, todos, porque todos son internautas.

Aparte del internet, para ser jumper se necesita buenos tenis y mejores rodillas, ropa cómoda y, sin duda, la certeza de haber gateado en la infancia. “No es nomás brincar. La coordinación es indispensable”, afirma Alan Díaz, el pionero en Guadalajara.

Coordinación, resistencia cardiaca y aguante para la radiación ultravioleta. Guadalajara no es Bruselas. Aquí el sol pega duro a las once de la mañana, cuando los caballeros del salto llegan a Chapultepec, y ahoga a las tres de la tarde, cuando se marchan. Ni calentamiento ni relajación. En cuanto instalan el estéreo y la música electriza el ambiente, las extremidades de resorte de los muchachos se mueven entre impetuosas y enardecidas. Algunos pasos se hacen sobre las dos piernas. Otros en una sola. Con patadas ligeras hacia los lados. Remates de pies. Giros de trompo. Descensos. Coreografías grupales. Risas. Y las bocinas suenan a todo y los litros de agua desaparecen en las gargantas y se forma una ronda para que los muchachos se luzcan en el centro y la euforia se vuelve generosidad a la hora de enseñar a los mirones que intentan la proeza. Algunos de esos mirones acabarán enviciados.

Menos el sol, el resto de la historia ocurre igual en Alemania, cuenta Marcelo Alfaro, “VicK99”, estudiante de ingeniería química y uno de los fundadores del grupo de lords, junto con Alan, “Alannemesis12”; Carlos Álvarez, y Rosa Martínez “Roxy”. Los chicos se conocieron en el Centro Universitario de Ciencias Exactas e Ingenierías (CUCEI). Rosa es licenciada en danza y novia de Alan.

Ingeniero en computación y profesor de matemáticas, Alan fue el primero en llegar al Jumpstyle, en julio de 2010, cuando buscaba música electrónica en internet y vio el video de un jumper.

El descubrimiento se volvió obsesión. “Asistí a varios tutoriales —clases por internet— y empecé a “frecuentar” a otros jumper —por internet—. Practicaba todo el día, en cualquier lugar. Como en mi casa no hay espejos, me grabé en video para corregirme”, relata.

Casi al mismo tiempo, Marcelo Alfaro llegó a Offenburg, Alemania, en septiembre de 2009, para un intercambio académico. Como ir a La Meca. El Jumpstyle allá es como las protestas en el Paseo de la Reforma. Cada tanto, decenas de Jumper e reúnen con el único fin de bailar hasta que el cuerpo aguante. Hasta tienen una consigna: “Brincar no es un crimen”.

Como no es un crimen y sí es mejor que padecer el frío y extrañar los frijoles, a Marcelo le dio por saltar. Cuando había aprendido, se inscribió en el grupo JumpCrew Bade-Württemberg. Y, como en un diario de viaje, le envió sus videos a sus familiares.

Lo de grabarse y exhibirse en la red es una costumbre de los jumper. Lo hacen en sitios representativos de sus metrópolis. Las filmaciones de Alan Díaz, “Jumpstyle en Guadalajara” y “Jumpstyle en Guadalajara 2”, lo muestran bailando en el CUCEI, la glorieta Del Charro, la catedral, los arcos de la Minerva, la Basílica de Zapopan, el Macrobús, junto a una botarga del doctor Simi... Han recibido más de 139 mil visitas virtuales.

A las virtuales se añaden las visitas presenciales de las familias tapatías, en el camellón de Chapultepec, todos los domingos, desde septiembre de 2010. ¿Cómo llegaron ahí los lords? Casi recién desempacado de Offenburg, Marcelo se reunió con Alan y Carlos Álvarez, que habían mejorado su técnica. Decidieron hacerse visibles en la Vía RecreActiva.

¿Pena? Quedarse sentados. “Con esto uno de desinhibe y hasta crea pasos de mas complejidad”, afirma Marcelo. Y si los pasos evolucionan en dificultad, ocurre lo mismo con las filmaciones. Una de las últimas de VicK99, “A Jumpstyle Story”, lo muestra alucinando sus propios pasos en las salas del Instituto Cabañas. El video implicó, además de los saltos, la actuación de Marcelo, una planeación, animaciones y una edición minuciosa.

Pero nada como los videos de Patrick Jumpen, un dúo holandés formado por Patrick Mantizz, y Dion Teurlings.  Según la web, los bailarines han acumulado unos 35 millones de visitas. Los Patrick Jumpen tienen hasta disquera, pero no son los preferidos de los tapatíos. “Los rusos son los buenos”, afirman.

Los rusos, sobre todo un tal “Champ18”, brincan la potencia de una bala de cañón, son delicados como Barbie y logran giros que ya quisieran algunos bailarines profesionales. Bailan como… rusos.

Eso sí, ni en Rusia ni en México hay muchas jumper. En Guadalajara, la reina es Rosa Martínez, también maestra de ballet.

—¿Se parece el Jumpstyle a otro tipo de danza?

—Tal vez a la prehispánica, por los saltos, estiramientos y giros.

Es cierto. Los danzantes de la Virgen tienen algo de jumper.

A diferencia de sus compañeros, Rosa insiste: el calentamiento y la condición física son indispensables.

La verdad es que también se requieren algunas habilidades, para que el pie derecho no se confunda con el izquierdo ni los brincos con tropiezos. Uno cree que vale la pena intentar una secuencia de brincos 10 veces, sólo hasta que Alan Díaz abre la boca: “¡Ah! ¡Se me olvidó decirte: mañana te vas a acordar de nosotros. Las piernas te van a doler de verdad”.


El origen

El término Jump (salto) se utiliza tanto para un género musical como para un estilo de baile. Nació a principios de los años noventa en Bélgica como una variante más lenta del género de música electrónica Hardcore. Al final de dicha década, la forma de bailar empezó a ganar popularidad hasta convertirse en un estilo único y adoptó el nombre de Jumpstyle, se dio a conocer en México a través de videos en internet de quienes practican este baile en otras partes del mundo.

El Oscar 2011 a la Mejor banda sonora original se vende caro


Ana López-Varela / adn.es


El Oscar 2011 a la Mejor banda sonora original se vende caro. Cualquiera de las cinco composiciones nominadas en esta edición podría ganar en un año de menos competencia.

De hecho, varias de las que se han quedado fuera podrían hacerlo. No deja de sorprender la ausencia de Randy Newman (Toy Story 3), un veterano con 15 nominaciones y un Oscar a la Mejor canción por un tema Monstruos, S.A (2002), o la poca repercusión del trabajo del dúo francés de electrónica Daft Punk para el filme de Disney Tron Legacy.



'Origen', de Hans Zimmer 

Pero los grandes olvidos son un clásico en una categoría en la que la mayoría de los candidatos siempre son compositores reconocidos y multipremiados.

Grandes como Hans Zimmer, nominado en esta ocasión por Origen.
 Una obra intensa y poderosa que resalta cada momento del filme de Christopher Nolan. El alemán, autor de bandas sonoras míticas como las de Batman Begins, Gladiator o El Rey León -por la que ganó su primera y única estatuilla-, es uno de los claros favoritos para este año. Gane o no con el que será su noveno intento, el próximo año es probable que vuelva a estar nominado con su próximo proyecto: la música de The Dark Knight Rises, la última parte de la trilogía que está realizando Nolan sobre Batman.



'El discurso del rey', de Alexandre Desplat.

Alexandre Desplat, nominado por El discurso del Rey, es otro habitual en los premios de Hollywood. Tras cinco nominaciones consecutivas -lleva desde 2007 sin salir de las quinielas de la categoría-, el francés podría hacerse con su primer Oscar.

Su composición, clásica y adecuada para una película de época, ya ha recibido el Bafta a la mejor banda sonora este año. Desplat (El Curioso Caso de Benjamin Button o Fantástico Sr. Fox) vuelve a usar el piano como si fuera un personaje más.



'127 horas', de A.R. Rahman

Otro que parecerse haberse instalado como un compositor fundamental en Hollywood es el indio A.R. Rahman. Danny Boyle ha vuelto a contar con este compositor que, bajo sus órdenes en 2008, ganó sendos Oscar a Mejor banda sonora y Mejor canción por Slumdog Millionaire.

Músico de referencia de Bollywood, ahora se ha puesto de moda en la meca del cine. Tal vez por eso y con 127 horas, parece haber iniciado un camino de occidentalización de sus piezas aunque siga sin renunciar a usar instrumentos atípicos. En cualquier caso, Rahman cambia las guitarras eléctricas por el folclore como si lo hubiera hecho siempre.



'Cómo entrenar a tu dragón', de John Powell

Otro compositor muy prolífico en Hollywood en los últimos años es el británico John Powell. Se trata de uno de lo más conocidos ex-miembros de Remote Control Productions (conocido como Media Ventures), un equipo de compositores de música cinematográfica cuya filosofía es combinar elementos de música orquestal tradicional y elementos sintetizados más modernos.

Experto en películas de acción y cine de animación, Powell está nominado por el último título de Dreamworks Cómo entrenar a tu dragón. Su banda sonora, enérgica y contagiada por la magia y fantasía del filme, tiene muchas posibilidades de ganar la estatuilla. Se resarciría así de haber perdido el Bafta al que estaba nominado.



'La red social', de Trent Reznor y Atticus Ros

Y por último, lo único novedoso de la edición: El trabajo conjunto de Reznor y Ross para La red social. 

Ni el líder y único miembro de Nine Inch Nails ni uno de sus productores habituales son expertos en hacer música para cine. Y eso es justamente lo que más se agradece. Su frescura se nota a cada momento del metraje del filme sonre la historia de Facebook. 

El resultado de su colaboración es una banda sonora arriesgada donde la música electrónica y ambiental es la protagonista algo poco habitual en Hollywood y que no suele gustar mucho a los académicos. 

No en vano, es la apuesta más arriesgada y moderna de los últimos años. Si ganara, como ya lo hizo en los Globos de oro 2011 reventando el patrón clásico de premios, supondría la llegada de una nueva era musical a Hollywood.

Muammar Gaddafi arrasa en Youtube con su tema "Zenga, Zenga"


Tel Aviv. (DPA). - Pese a que en su tierra esté a punto de caer, el líder libio Muamar Gadafi es una estrella en YouTube, gracias a un clip musical con una parodia de uno de los últimos polémicos discursos del dirigente, publica hoy el periódico israelí "Yediot Ajronot".

El autor de "Zenga Zenga Song" es un israelí de 31 años de origen tunecino. "El discurso de Gadafi tenía todos los elementos para ser un hit", explica Noi Alush que ha ideado la manera de combinar las palabras cargadas de odio del dirigente con música electrónica 'trance'.

"La repetición de las palabras, el 'Zenga Zenga', la vestimenta y y el hecho de levantar los brazos como en un movimiento de victoria, fueron los elementos más importantes para la realización del vídeo", comentó Alush. Gadafi aparece vestido de marrón y describe cómo liberará a su país de sus adversarios "edificio por edificio, casa por casa, calle por calle (Zenga Zenga)".

En primer plano se ve a una bailarina rubia con escasa ropa que hace movimientos sensuales. El videoclip ha sido bien recibido incluso en muchos países árabes, según Alush. "La mayoría no sabe sin embargo que soy israelí y judío...". También hubo comentarios antiisraelíes.

A pedido de algunos internautas árabes Alush elaboró una segunda versión más recatada sin la bailarina erótica. La oposición libia ha aprovechado el clip, que presenta a Gadafi como una especie de estrella ridícula de rock étnico, y lo usa como himno en sus emisiones, según el "Yediot Ajronot".

"Cuando Gadafi haya caído pondremos tu canción en la plaza central", escribió un manifestante a Alush.

Telefunka se reinterpreta



OMAR GÓMEZ / informador.com.mx

Tras dos años de no presentarse en Guadalajara, la banda tapatía Telefunka ha preparado un concierto el próximo 3 de marzo en el Teatro Diana denominado Clásicos del mañana, en el que reinterpretará algunos de los temas más representativos de su repertorio, acompañada por la legendaria Orquesta de Chamaco Guerrero.

Los integrantes del grupo: Giancarlo, Aldo y John, dijeron que para su regreso a los escenarios de la ciudad que los vio nacer quisieron armar un show diferente, en el que pudieran mostrar  las influencias con las que se han nutrido. “Desde que comenzamos nuestra carrera nos ha gustado hacer fusiones que van más allá del funk y la música electrónica”, comenta Giancarlo, quien al tiempo agrega: “Lo que presentaremos son versiones de cabaret de algunas de nuestras canciones. Tenemos ritmos como mambo y danzón, aunque también incluiremos estilos como rockabilly, rocanrol y swing”.

Por su parte Aldo, bajista y vocalista del proyecto, indica que durante la presentación contarán con la participación de dos invitados especiales: Jonás González de Plastilina Mosh y Johnny Laboriel. “Cuando invitamos a Johnny Laboriel aceptó emocionado. Se dio la onda con él porque queríamos a alguien de esa época, y por lo que hemos visto viene con toda la disposición y trae una actitud bastante positiva para la presentación”.

Aunado a esto, Aldo explica que Clásicos del mañana es un espectáculo que se estrenará en nuestra ciudad, aunque tienen la intención de llevarlo a otras plazas. “Dependiendo de los resultados hay la posibilidad de realizarlo en otras ciudades e inclusive la de grabar un material discográfico en vivo”.

Desde la independencia

Los integrantes de Telefunka coincidieron al decir que se mantuvieron alejados de la escena musical durante esta temporada debido principalmente a tres cuestiones: la influenza, la crisis económica y la crisis de las bandas independientes. “Somos una banda completamente independiente, no contamos con patrocinios y prácticamente nosotros nos encargamos de todo”, explica Giancarlo, quien finaliza al decir que las presentaciones en vivo son cuestión de sobrevivencia para proyectos como Telefunka. “Las bandas independientes no tenemos una disquera que nos sustente. Vivimos del cover directo, de un toquín, de un concierto”.

''El show es una manera de mostrarle a la gente joven el valor de las danzoneras'', Giancarlo Fragoso, integrante de Telefunka

Telefunka presenta Clásicos del mañana / 3 de marzo, 20:30 horas / Teatro Diana / Boletos: de 100 a 350 pesos

Navega: www.telefunka.com


sábado, 26 de febrero de 2011

Del 4 al 10 marzo en Profética se proyectarán los videos experimentales de Ambulante


PAULA CARRIZOSA  / lajornadadeoriente.com.mx

“Injerto”, una de las secciones de la gira de documentales Ambulante en la que se muestran los videos experimentales realizados por cineastas de México y otros países, será proyectado en Profética casa de lectura, del 4 al 10 de marzo.

El ciclo de exhibiciones comenzará el próximo viernes 4 de marzo a las 20 horas con entrada libre. El primer programa “Gente como nosotros”, reúne los filmes de la artista británica Vicki Bennett, quien desde 1991 ha realizado collages audiovisuales. De la artista, se proyectarán los cortometrajes Descubriendo la música electrónica, El controlador remoto, Trabajar, descansar y jugar, Desfile y Género collage.

El 5 de marzo tocará el turno a Takashi Ito, uno de los más destacados cineastas experimentales de Japón. Su trabajo es una referencia de las emociones, espacios, tiempos, gente y estados de ánimo que lo han acompañado. El programa incluirá los filmes Spacy, Fantasma, Lúgubre, Diario fotográfico, El sueño de la momia, Venus, Escondidillas en diciembre y Luna.

Para el domingo 6 de marzo se exhibirán algunos videos de la mexicana Ximena Cuevas, pionera de los medios audiovisuales en el país. A lo largo de su obra, interviene con sutil ironía los iconos de la cultura popular y critica la descomposición política y social de México. Sus videos, forman parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del Centro Pompidou de París.
De la videoasta se proyectarán Medias mentiras, Help, Tómbola y Cinépolis, la capital del cine.

El 7 de marzo el público conocerá la obra de la artista estadounidense, Zoe Beloff, quien se considera a sí misma como una médium, una interfase entre la vida y la muerte, entre lo real y lo imaginario. Su trabajo se ha exhibido de manera internacional y para esta ocasión, se han seleccionado las cintas La grúa diminuta, La mantis religiosa, El sueño del oso, El sueño del león, El arca abandonada, entre otras.

El día siguiente se proyectará la obra del cineasta austriaco Lisl Ponger. Las tres películas incluidas –La fantasmal Viena extranjera, Déja vu y Fantasmas semióticos–, toman al lenguaje como un lugar de confrontación.

Para el 9 de marzo, de la obra de Roee Rosen, artista y escritor israelí, graduado de la Escuela de Artes Visuales en Nueva York, se podrá ver Hilarante y Fuera.

El último día, será para la artista holandesa Manon de Boer, quien a través de la narración personal y la interpretación musical, explora la relación entre lenguaje y el tiempo. De su obra, se proyectará Superficies resonantes, Presto, el sonido perfecto, Dos veces 4’33 y Disonante.

viernes, 25 de febrero de 2011

'Juay de rito' en un mix tipo Nortec de @ChuyProaudi

record.com.mx

A una semana de la entrevista que realizó Joaquín López-Dóriga al actor Anthony Hopkins, ya circula en internet un track hecho con samplers de las frases del periodista y el ganador de Oscar.

'Juay de rito la canción' fue compuesta por Chuy Núñez, de acuerdo a los créditos que aparecen en el video, donde también se muestra al 'Teacher' riendo y repitiendo la frase que ya se popularizó 'Juay de rito'.

La música electrónica mezclada con ritmos latinos, se escuchan en el tema que al final agradece la “asesoría de idiomas” a “Jarmon Jol', como parodia del tropezón que sufrió el conductor de noticias a quien su inglés le falló durante la visita de Hopkins al foro para promocionar la cinta de terror 'El Rito'.

El Festival Sonar incorpora 11 artistas más a su edición 2011


EFE

El festival de música electrónica Sonar, que en 2011 volverá a celebrarse simultáneamente en Barcelona y A Coruña, ha anunciado hoy la incorporación de 11 artistas más a su programación.

El cartel de la edición de 2011, que se celebrará en Barcelona del 16 al 18 de junio y los dos últimos días también en A Coruña, contará con figuras clave del panorama actual, como M.I.A., cuyas actuaciones en Sonar serán las únicas en España durante este año, el sudafricano Die Antwoord, o los australianos Cut Copy La sede catalana contará además con artistas como Shackleton, Steve Aoki, Africa Hitech, Nicolas Jaar, Paul Kalkbrenner o Mark Pritchard y Tom Middleton, que interpretarán en directo su mítico álbum "76:14".

El abono para el festival está ya a la venta, mientras que las entradas de 1 noche se podrán a la venta a partir del 1 de marzo a un precio de 35 euros.

Las fiestas Rave van de baja en el Poblenou


Luis Benvenuty / lavanguardia.es

La Guardia Urbana de Barcelona está acabando con la celebración de fiestas rave en el distrito de Sant Martí. Al menos con aquellas que se venían celebrando fin de semana tras fin de semana para molestia de los vecinos. Música tecno, miles de vatios de sonido, luces robotizadas, drogas de diseño... Todo ello marcó el devenir más reciente del Poblenou. Centenares de vecinos agradecen que aquella época quedara atrás.

Rave significa delirio. Explosiones de un movimiento contracultural que pinchó algunos de los mejores momentos de la música electrónica, que pretendía mantenerse al margen de la comercialización del ocio. De las colas de las discotecas, las copas a 9 euros, las listas vip... Y que por estas latitudes degeneraron hasta no reconocerse. Y es que lo que la policía municipal está asfixiando no es más que un lucrativo negocio clandestino vinculado al tráfico de drogas donde impera la falta de seguridad. Las últimas raves poco tienen que ver con las espontáneas y gratuitas de antaño.

“Sí, las raves tienen un origen contracultural y alternativo –explica el subintendente jefe de la policía municipal en el distrito–, pero a la postre, en Barcelona, se convirtieron en una fuente de ingresos nunca declarados para unos promotores de alto poder adquisitivo”. Las raves generaron en los últimos años un mercado negro de alquiler de naves. Hasta 500 euros por noche. A veces alquiladas por sus propietarios, otras subarrendadas. Y muchas ofrecidas por quienes primero las okuparon y usurparon. Lugares no acondicionados para acoger a centenares de personas.

Peligrosas ratoneras, como el octavo piso de un edificio fabril en Via Trajana al que sólo se accedía mediante un montacargas. O una cámara frigorífica en la calle Zamora donde se apretujaban más de cien personas. El nieto del propietario dijo a los agentes: “Se me ha ido de las manos”. Instalaciones eléctricas precarias y provisionales. Basuras acumuladas, sin puertas de emergencia. Tickets de entrada de entre 10 y 20 euros. Unos organizadores aseguraban que eran una oenegé y que la caja era para causas humanitarias. En una de las últimas intervenciones policiales, en la calle Bolívia, el pinchadiscos fue detenido por tráfico de drogas.

“Hace menos de un año había cerca de una veintena de lugares en Sant Martí donde se celebraban raves cada fin de semana. Hoy las fiestas son esporádicas”. El punto de inflexión, continúa el subintendente, es la nueva ley de Espectáculos de la Generalitat, una normativa que permite el decomiso de los equipos de sonido y la imposición de multas de hasta 150.000 euros. Hasta entonces, a no ser que se estuviera viviendo una situación de riesgo contrastado, poco podían hacer los agentes. Ahora los organizadores se lo piensan dos veces. Termina así una época de la historia no oficial de Barcelona.

El Poblenou, la pasada década, fue conocido en los ambientes contraculturales de toda Europa por sus raves, por sus delirios. El término nació en los cincuenta para referirse a las fiestas más salvajes de los beatniks. Las viejas naves del Manchester catalán fueron el lugar idóneo para celebrar aquellas fiestas espontáneas. Pero a medida que el Poblenou se remodela, llegan los nuevos vecinos y lo saraos underground se popularizan entre un público mayoritario, las raves chocan contra la normal convivencia y la contracultura se diluye en incivismo.

Las raves se convierten para muchos jóvenes en el modo más económico de pasar un fin de semana de excesos. De drogarse sin que nadie le llame a uno la atención. Impunidad a bajo precio. Una pintada en el espejo del baño de una de las naves intervenidas por la Guardia Urbana ruega a la gente que no lo descuelguen, que se preparen las rayas en la pila. Y los más espabilados lo ven claro. Las raves se convierten en un negocio. Mueren de éxito. Ahora centenares de vecinos, que han insistido a las autoridades durante años para que acabaran con su pesadilla, lo agradecen. Ya no hallan orines en sus portales. La música dejó de hacer vibrar sus tabiques de madrugada. Desaparecieron las peleas bajo su ventana.

Dr. Fanatik musicalizará El último de los hombres

 
Notimex
 
Tras musicalizar con éxito el filme 'Fausto', uno de los clásicos del expresionismo alemán, dirigido por F.W. Murnau, el dueto Dr. Fanatik, acompañado por Los Warhol, regresa a la Cineteca Nacional este sábado para imprimirle su estilo a otra película del director teutón, 'El último de los hombres' (1924) .

Las funciones se llevarán a cabo a las 17:00 y 20:30 horas en la Sala 3, Fernando de Fuentes, como parte del ciclo 'Bandas Sonoras: Cine mudo a ritmo de rock', organizado por la Cineteca Nacional y el Instituto Mexicano de la Radio.

Dr. Fanatik, integrado por Arturo Fagoaga y Lorenzo Lagrava, es un proyecto musical que surgió en 1981 con presentaciones de rock en las que fusiona diversas expresiones artísticas, desde obras gráficas, performances o multimedia.

Actualmente, colaboran con Los Warhol: Alan Bengoa (guitarra) y Carlos Monroy (batería) , quienes completan el cuarteto, que se caracteriza por su fusión con el rock con el ritmo de la música electrónica.

La agrupación siempre ha estado vinculada a la cinematografía a través de la musicalización de películas independientes. A lo largo de su carrera ha editado 10 discos, entre ellos 'Metamorfosis' y 'Spirit Underground', los cuales la ha llevado a brindar conciertos en múltiples foros desde museos, hasta centros culturales y bares.

Este año el ciclo alcanza al Lunario del Auditorio Nacional, que abrirá sus puertas a este proyecto con el nombre de 'Cine-Bar: Bandas sonoras', donde de igual manera, las bandas con tendencias musicales experimentales, darán vida al cine mudo que hizo historia.

Tras las presentaciones que realizarán este fin de semana en la Cineteca, Dr. Fanatik participará también en el Lunario, en donde actuará el 22 de marzo, musicalizando de nueva cuenta 'Fausto'.

'La general', filme estadunidense de 1927, dirigido y protagonizado por Buster Keaton, fue el telonero de este proyecto en las inmediaciones del Lunario, donde el grupo Ensamble Swing Gitan musicalizó y ambientó la película, ante un público que salió satisfecho del foro.

El ciclo, que se presentará a lo largo de este año, contará con la participación de Steven Severin en 'La sangre de un poeta' (Jean Cocteau, 1930) , Sax...Son en 'Berlín: Sinfonía de una gran ciudad' (Walter Ruttman, 1927) y The Sconek-T en 'El jorobado de nuestra señora de París' (Wallace Worsley, 1923) .

El cierre lo protagonizará el único filme mexicano que participará en este proyecto 'El automóvil gris' (Enrique Rosas, Joaquín Coss y Juan Canals de Homs, 1929) , el cual será musicalizado por la banda jalisciense, Troker.

lunes, 21 de febrero de 2011

Cuando hay algo que no tiene precio


Sandra De La Fuente / clarin.com
 
Aunque su intensa agenda de actividades parece negarlo, el compositor Francisco Kröpfl, pionero en la creación por medios electroacústicos en la Argentina, cumple esta semana 80 años.

Kröpfl fue fundador del Estudio de Fonología Musical de la UBA que funcionó hacia fines de los ‘50, del Laboratorio de Música Electrónica del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) que tuvo su lugar de trabajo dentro del Instituto Di Tella hacia fines de los ‘60 y Jefe del Departamento de Música Contemporánea del Centro de Investigación en Comunicación Masiva, Arte y Tecnología (CICMAT), entre 1972 y 1976. Su biografía puede ser leída como la historia de la vanguardia musical en nuestro país. 

Hace cinco años dejó la dirección del departamento de música del Centro Cultural Recoleta, pero su actividad como compositor no ha cesado y este año no sólo lo esperan los conciertos homenaje -el CETC le programó un concierto monográfico para el 15 de abril- sino también tres estrenos mundiales: una obra para diez instrumentos, Divergencias, que será interpretada en Madrid, con dirección de Szolt Nagi, una obra coral, que se escuchará en el Simposio Internacional de Coros de Puerto Madryn, y la ópera de cámara La tercera es la vencida, con guión de Oscar Steimberg, que se estrenará en septiembre, en el Centro Nacional de Música.

Usted siempre fue considerado un vanguardista duro. Sorprende un poco que a esta altura se haya entregado al género operístico.

(Ríe) Puede que sorprenda, pero si se mira mi producción verá que ya en 1952 había escrito mi primera pieza importante para voz flauta y clarinete, sobre un texto italiano. Mi gran amor era Anton Webern y también me gustaba mucho Dallapicola. No soy un entusiasta de la ópera, pero tengo gustos puntuales: las dos óperas de Berg, El Priggionero, de Dallapiccola, Pelleas, en la música del siglo XX. También me gusta Puccini, las dos últimas de Verdi y me divierte mucho el Cosi Fan Tutti. De Wagner me gusta especialmente Tristán e Isolda. Aunque es cierto que me interesa mucho la formalización muy estructurada de las obras, también es cierto que la electrónica siempre me estimuló para el lado más lírico.

Entonces, ¿por qué se dedicó a escribir para medios electroacústicos? Porque entendí que la dramaticidad podía conseguirse a través del procesamiento del sonido y la amplificación espacial. Y hacerlo así me resultaba más atractivo que trabajar con orquesta. Por otra parte, mis primeras obras se tocaron mal y a mí me molestaba tener que aceptar que el crítico escribiera su comentario partiendo de la base que la obra había estado bien interpretada, como si el error hubiera sido mío. Con la composición electroacústica es posible controlar lo que se hace y escuchar lo que concibió. Y eso no tiene precio.

Pero en “La tercera es la vencida” habrá orquesta, ¿no? Apenas un grupo de cámara: flauta, clarinete, violín, chelo, corno y piano, dirigida por Jorge Rotter. Pero no la llamemos ópera, es un juego escénico. Para mí la ópera es otra cosa: está el drama, la gran orquesta, el relato lineal y el juego.

¿Cómo concibió las voces? Pensé en una voz que se adaptara a las circunstancias. Hay sprechgesang (entre el habla y el canto), parlato y canto. Eso me permite lograr contrastes y cambio de significación.
Canto e instrumentos, ¿dónde quedaron sus temores acerca de la mala interpretación de sus obras? Ese un problema de músicos y de tiempos. Tuve una maravillosa experiencia cuando se hizo mi relato sobre textos de Borges para cuatro instrumentos: como tenía un subsidio conseguí los mejores músicos. Se hicieron muchísimos ensayos, dirigió Jorge Rotter (que dirigirá el estreno de esta ópera) y lo que sonó fue increíble. Si consigo ese nivel seré feliz.

miércoles, 16 de febrero de 2011

Mixtapes: Cut Copy


Adrian Cholula / cucharasonica.com

Si hay una banda de la que realmente disfrute su música como la de ninguna otra, sin duda es Cut Copy, el electropop tan elegante que estos australianos han venido desempeñando los ha llevado a destacar en la escena trendy al igual que otras bandas de su país. Casi todas sus canciones tienen una base electrónica y hasta donde yo tengo entendido el vocalista de la banda se desempeña bastante bien como deejay.

Un asunto bien especial es poder escuchar la colección de canciones de las que una banda se inspira, es como si se abrieran en lo más íntimo a los fans para compartir las canciones de su iPod por ejemplo, este es el caso de la serie Mixtapes que regularmente les presentamos aquí, me complace esta vez anunciarles que el turno toca a Cut Copy y su A Tale of Two Journey, un mixtape de alrededor de una hora y si esperan escuchar música electrónica en este mixtape quedaran decepcionados ya que en sí, es una selección de canciones divertidas para la banda y para nada conocidas, como cuando tu amigo más te pasa una compilación de canciones que jamás te habías esperado escuchar.

El mix viene incluido en algunas versiones del último lanzamiento de la banda, el álbum Zonoscope y también está disponible a través del sitio de Modular, el sello discográfico de la banda, algunos de los artistas seleccionados para la compilación son por ejemplo Brothers Johnson, Ace Frehley y demás rarezas, destacado decir que la banda regalara copias físicas del mixtape a los primeros 5 que envíen el tracklist completo del mixtape a una dirección, que no se las comparto porque pasarían quizás hasta años descifrando el soundtrack. ¿Se apuntan al contest?

Si hay una banda de la que realmente disfrute su música como la de ninguna otra, sin duda es Cut Copy, el electropop tan elegante que estos australianos han venido desempeñando los ha llevado a destacar en la escena trendy al igual que otras bandas de su país. Casi todas sus canciones tienen una base electrónica y hasta donde yo tengo entendido el vocalista de la banda se desempeña bastante bien como deejay.

Un asunto bien especial es poder escuchar la colección de canciones de las que una banda se inspira, es como si se abrieran en lo más íntimo a los fans para compartir las canciones de su iPod por ejemplo, este es el caso de la serie Mixtapes que regularmente les presentamos aquí, me complace esta vez anunciarles que el turno toca a Cut Copy y su A Tale of Two Journey, un mixtape de alrededor de una hora y si esperan escuchar música electrónica en este mixtape quedaran decepcionados ya que en sí, es una selección de canciones divertidas para la banda y para nada conocidas, como cuando tu amigo más te pasa una compilación de canciones que jamás te habías esperado escuchar.

A Tale of Two Journeys (Mixtape) by cutcopymusic

Moby anuncia nuevo álbum, libera un EP y estrena video al mismo tiempo


emol.com

El músico estadounidense Moby está listo para lanzar al mercado nuevo material. El neoyorkino informó que su nuevo disco, Destroyed, se lanzará  el 17 de marzo y estrenó su primer single a través de un videoclip.

El compositor dice que el nuevo single consta de 15 temas que fueron compuestos mayoritariamente cuando se encontraba de gira. "Intento gastar en la música el tiempo que pierdo por mi insomnio", cita Spinner.com.

Sobre el sonido de su nuevo material, Moby explica que es "muy melódico, atmosférico y electrónico. Si tuviera que explicarlo, lo describiría como música electrónica separada para ciudades vacías a las 2 A.M.".

Por otra parte, Moby liberó un EP que contiene tres temas, llamado Be The One. Este trabajo corto puede ser descargado de manera gratuita en la página del artista con sólo introducir una dirección de email.

Además, el compositor-que visitó Chile el año pasado- aprovechó de estrenar el video para "Sevastopol", el primer sencillo del disco nuevo.

Para acompañar todos estos lanzamientos, Moby comenzará un tour en mayo por Europa y Estados Unidos, que durará hasta septiembre.




jueves, 3 de febrero de 2011

Time Warp 2011: La niebla se evapora


 Zigor / musicopolis.es

Hace escasos días, Time Warp Holanda estaba en boca de todos. Escasos días porque ahora su “hermano mayor”, Time Warp Mannheim 2011, se acerca. El día marcado por todos los fans de la música electrónica de todo el globo será el 2 de abril de 2011. Todas las entradas anticipadas con descuento han sido vendidas y la venta normal ha comenzado.

El secreto mejor guardado de Time Warp, el cartel, ha sido desvelado. Desde el 1 de Diciembre, un artista por día ha sido anunciado en la página oficial de Time Warp y en la página para todos los fans en Facebook. Magda, la reina de Minus, el legendario dúo de Gran Bretaña Slam, el jefe de Desolat Loco Dice, los chicos de Moonbotica desde Hamburgo, la señorita del techno Monika Kruse y el padrino de Time Warp Sven Väth, definitivamente estarán presentes.

Aunque aquellos que conocen Time Warp saben que esto no es todo. Sin embargo, tendrás que ser paciente ya que conforme se acerque el evento se irán anunciando más artistas que podrás ir consultando en la página oficial.

Todo indica que el 17º aniversario de Time Warp será un éxito. El Maimarkthalle de Mannheim, nuestro tradicional recinto de confianza, estará equipado con numerosos y diversos efectos de luces, lásers y video junto con el equipo de sonido más avanzado hasta la fecha. También el Jetztmusikfestival, en su quinto año, encarrilará la fiesta de la música desde el 26 de marzo hasta el 2 de abril, la semana anterior.

Esto es solo el comienzo de lo que está por venir. Mientras tanto, para abrir boca puedes encontrar interesantes y extraordinarios proyectos, como por ejemplo, vivir en directo la orquestación de la banda sonora de una película muda por parte de Move D o un espectáculo de ambiente multidimensional en el Mannheimer Planetarium con Alex Azary y Gabriel LeMar. Quienquiera que esté interesado en la producción musical, DJ-ing, o la industria musical estará en buenas manos en el Time Warp lab de este año.

miércoles, 2 de febrero de 2011

Llegan los primeros artistas del Klubbers Day 2011




El formato del festival sigue siendo de tres días de fiesta interrumpida, en concreto 14, 15 y 16 de abril en el recinto del Madrid Arena de la casa de campo.

Las entradas ya están a la venta en oferta hasta el 6 de febrero, fecha en la cual los abonos volverán a subir, de momento los precios son, la entrada de día 25 €, abono de dos días 40€ y el abono de tres días 50 € a través de la red ticetmaster, onticket y en la madrileña tienda de Space Store.

Los artistas hasta la fecha confirmados son:

Sven Vath que celebrará sus 30 años en las cabinas.

Ricardo Villalobos (set de 3 horas)

Onur Özer

Dinky

Carl Craig

Steve Lawler

Radio Slave

Tiefschwarz

David K

Leon

HIGHGRADE DISARMONIC ORCHESTRA (integrada por Todd Bodine, Tom Clark, Daniel Dreier, Markus Homm y Dale)

Jesse Rose

Heidi

Metro

Sebastián Wilck.



-- Desde Mi iPhone

Flying Lotus se suma a La Alternativa


informador.com.mx

El artista californiano será parte de alternativa del evento que tendrá lugar en el centro histórico tapatío
Los amantes de la música de avanzada encontrarán interesantes propuestas sonoras en la edición 2011 del Festival Cultural de Mayo, que tiene a Estados Unidos como invitado de honor.

Y es que el evento que tendrá lugar dentro de un par de meses en el Centro Histórico tapatío anunció que como parte de La Alternativa (serie de conciertos de música emergente) se presentará el artista californiano Flying Lotus, quien experimenta con diferentes estilos en su computadora que van del jazz, a la psicodelia y a la música electrónica.

Al respecto, Alejandro Matos, director del Festival Cultural de Mayo, comenta que la apuesta en esta edición de La Alternativa es la de presentar personajes estelares en cada uno de los conciertos. “Tenemos programadas a cuatro estrellas de la música electrónica y estamos muy contentos porque con el paso del tiempo se ha logrado consolidar esta propuesta”.

Pionero angelino
Flying Lotus lanzó su primer material discográfico en 1983. Posteriormente, en 2008, publicó el álbum Los Angeles y en 2010 presentó su más reciente placa, Cosmogramma, la cual define como una ópera espacial. “Es muy teatral, en el sentido del filme Star Wars”, asegura el artista, quien al tiempo agrega que: “Cosmogramma es un matrimonio entre la tecnología del siglo XXI y la experimentación psicodélica de 1960. Cuenta con un sonido emparentado al free jazz”.

Sobre el título del álbum, Flying Lotus comenta que lo tomó de un tema de Alice Coltrane, y que fue reconocido por la revista especializada Exclaim Magazine.

Dicha publicación refiere sobre el artista que “en los primeros cinco años que Flying Lotus comenzó a sonar en la escena de Los Ángeles, fue el pionero para el renacimiento musical de la Costa Oeste de Estados Unidos”.

Experimentación sonora

Como parte de lo que él mismo llama la “generación Nintendo”, Flying Lotus creció acostumbrando su oído a toda clase de sonidos electrónicos que, combinados con la fuerte presencia del jazz en su familia, dieron lugar al caldo de cultivo ideal para su proyecto.

Un universo paralelo en el que el hip-hop añejo, la psicodelia y el jazz menos conservador, son mezclados entre arreglos asimétricos y líneas de bajo devastadoras.

Quienes han asistido a sus conciertos aseguran que el músico suele ser mucho más salvaje que en sus trabajos de estudio, así que esta es la ocasión idónea para conocer más allá de Cosmogramma, su tercer álbum, el que cabe señalar contó con la colaboración de Thom Yorke, Thundercat, Laura Darlington y Ravi Coltrane.

El dato
Cosmogramma formó parte de la lista de los 20 mejores discos de 2010 según el portal de internet Pitchfork Media.

Flying Lotus/16 de mayo, 21:00 horas/ La Alternativa del Festival Cultural de Mayo, Plaza de la Liberación/Entrada libre

martes, 1 de febrero de 2011

Tristesse del grupo electrónico Kollektiv Turmstrasse: video clip sobre la magia y la regeneración de la naturaleza

Can-Men / elblogalternativo.com

Música electrónica y naturaleza se dan la mano en este vídeo de animación del grupo musical alemán Kollektiv Turmstrasse* titulado “Tristesse”.

Un ciervo imponente, el agua creadora de una estalactita, un elemental de la naturaleza, un volcan que despirta, destrucción, huida, renacimiento, colaboración entre reinos y vida, mucha vida.

Todo este contenido lleno de magía y sentimiento es lo que podemos encontrar en Tristesse acompañado de una música evocadora sin excesos, sin rimbombancias técnicas, sólo una línea melódica y rítmica (muy acuariana según algunos expertos) que refuerza las imágenes y nos sumerge en esta historia de lucha de fuerzas que merece la pena disfrutar.

*Kollektiv Turmstrasse es un grupo formado por Christian Hilscher y Nico Plagemann hace unos años como un proyecto de “minimal techno”. Ambos se conocieron compartiendo piso y descubrieron su mutua pasión por la música electrónica.







Sitio oficial: Kollektiv Turmstrasse y facebook

Más información sobre este grupo
http://estebansaiz.com/blog/2010/03/05/kollektiv-turmstrasse/

Vídeo descubierto en Ecologiablog
http://www.ecologiablog.com/post/5033/video-clip-de-kollektiv-turmstrasse-una-animacion-sobre-los-ciclos-de-la-naturaleza?utm_source=feedburner&utm_medium=feed&utm_campaign=Feed%3A+ecologiablog%2Fes+%28ecologiablog%29

El International Music Summit tendrá un encuentro paralelo en Miami


diariodeibiza.es / Redacción

La agenda de la cuarta edición del International Music Summit (IMS), que se celebrará en Vila entre el 25 y el 27 de mayo, comienza a perfilarse con un evento paralelo en Miami, que en marzo acoge la prestigiosa Winter Music Conference. Uno de los encuentros más importantes de la música electrónica en el mundo ya tiene cerrada la participación de una treintena de profesionales entre dj, promotores, productores, agentes y organizadores de fiestas y festivales. La fiesta inaugural tendrá lugar el 25 de mayo en la discoteca Pachá, las jornadas de trabajo se celebrarán en el Ibiza Gran Hotel y el día 27 habrá un concierto de clausura en Dalt Vila, que el año pasado contó con las actuaciones de los dj Pete Tong, Mark Ronson, Sasha, Skream y el grupo portugués Buraka Som Sistema y que para este año promete más música.

La entrevista principal de esta edición será a Daniel Miller, fundador de Mute Records y descubridor de Depeche Mode, Moby o Richie Hawtin, entre otros. Precisamente Hawtin será el encargado de entrevistarle. También serán entrevistado George Egatoudis, director musical de BBC Radio 1; Emmanuel du Buretel, fundador del sello Because, y el agente de William Morris Endeavour David Levy, entre otros. Otras intervenciones clave serán las de Amy Thompson, manager de Swedish House Mafia; Jho Oakley, representante de Chase & Status y Pendulum, y portavoces de Nokia y National Geographic, con nuevos enfoques sobre la música electrónica.


Jornada en Miami
Además, este año el IMS llegará por primera vez a los Estados Unidos con la celebración de un evento especial paralelo en Miami. «Se trata de exportar nuestro trabajo al mercado norteamericano –explica Ben Turner, codirector del IMS–, además de nuevas aportaciones y muchas más fiestas en Ibiza para ayudar a inyectar un poco más de diversión al encuentro». «IMS no se alejará de su lema ´Back to business´ (´De vuelta a los negocios´), pero la música electrónica nunca ha sido más próspera y queremos mostrar las increíbles innovaciones en música, tecnología, promotores y festivales de todo el mundo», termina Turner. En esa jornada en Miami se hará pública la lista de los personajes más influyentes de la música electrónica en la actualidad.

Otras actividades previstas para la edición de 2011 serán una cena con leyendas de la electrónica, una mesa de trabajo con todos los conferenciantes del IMS, la cumbre del Booking United –la asociación internacional de agentes–, una fiesta junto a la piscina de un hotel y un panel de expertos que debatirán sobre el rumbo de la escena de la música dance.

Fuel Fandango, mezcla de flamenco, música negra y electrónica


Helena Burgos / elreferente.es

Tras año y medio de conciertos en los que han dado a conocer su E.P., Nita y Ale Acosta (Mojo Project) se lanzan al mercado discográfico con su primer L.P., que lleva su propio nombre: FUEL FANDANGO.

Trece canciones en las que se mezcla todo tipo de música y, también, el inglés y el español.

De este proyecto nos han hablado sus protagonistas, a punto de empezar nueva gira. No te pierdas la entrevista elaborada por El Referente.
PREGUNTA. ¿Qué estilos se fusionan en Fuel Fandango?
Fuel Fandango: Los estilos que nos gustan a los dos, los que siempre hemos escuchado. El toque de flamenco siempre está ahí, también la música negra y la electrónica. Es un compendio de estilos que el nombre del grupo define muy bien.

P. Para grabar vuestro primer disco de larga duración, que acaba de salir a la venta, os pusisteis una única norma: no tardar más de 15 días, ¿por qué?

F.F. Porque él no se puede estar quieto (Nita habla de  Ale), jajaja…Teníamos los bocetos hechos y la idea de cómo queríamos los temas pero a la hora de ponerte a grabar en estudio no queríamos que se nos fuera la olla con el tiempo para no retocar demasiado y que sonara demasiado poco natural, queríamos que sonara más fresco y por eso lo hicimos. No queríamos desvirtuar la idea inicial sino, hacerla, componerla y grabarla.

P. ¿Cómo es Fuel Fandango en directo?

F.F. Puro nervio. Es lo que más nos mola y el proyecto se ha desarrollado en el escenario. Sacamos la vena más roquera, más bailable. El disco es más tranquilito pero en directo no nos cortamos un pelo y entre los tres, antes éramos cinco, hay una química especial que hace que los conciertos se conviertan en una fiesta.

P. Lleváis desde 2009 de gira con un EP y ahora sacáis un LP. Vuestro camino es poco habitual: primero hacéis conciertos y luego sacáis el disco, ¿hoy en día quien quiera vivir de la música tiene que llenar locales?

F.F. Debería porque tal y como está la cosa, de discos no se come. Tampoco hay que llenar estadios pero al menos tener bolos para subsistir...Por eso empezamos tocando porque sacar un disco es casi anecdótico, es más bien un apoyo.

P. ¿Y no da vértigo sacar un disco?

F.F. Sí pero nos da igual porque nos encanta lo que hacemos y no queremos morirnos sin haberlo intentado. Lo queremos a hacer cueste lo que cueste, lo más honesto que podamos y sin pretensiones más allá de poder vivir dignamente de esto y no de otra cosa que no nos gusta. Si no va bien, mala suerte, pero por lo menos lo hemos intentado.

P. Empezáis gira esta semana. Después del éxito de la anterior, ¿cómo afrontáis ésta?

F.F. Tenemos muchas ganas de tocar los temas nuevos, de hacer nuevos formatos de directo y, sobre todo, de ir a nuevos sitios y ver la reacción de la gente. ¿Miedo? Un poco pero también es bueno no saber lo que va a pasar.

P. Habéis conseguido 15.000 descargas de vuestro primer EP. Esto demuestra que muchos músicos empiezan gracias a Internet, ¿se verá perjudicada la música por la ley Sinde?

F.F. Nuestro caso es diferente porque pusimos el disco en nuestra web de forma gratuita. La descarga masiva es otro cantar. Posicionarse en uno de los extremos es muy difícil, pero sí consideramos que Internet es una ventana al mundo. Eso es la parte positiva pero también tiene su parte negativa.

P. Otra noticia más o menos reciente relacionada con la música, pero os afectaría de manera más personal fue la muerte de Enrique Morente, ¿cómo la vivisteis?

F.F. Muy mal. Yo (Ale) había trabajado con él en su último disco…Y cuando yo era pequeña (Nita), me animó, me dio muchísimos consejos…Para nosotros ha sido un grande. Para mí (Ale) ha sido el mejor genio con el que pude trabajar y era alucinante que un artista con más de 60 años y con más de 30 discos siguiera con ganas de investigar y grabar…Trabajábamos quince horas al día y yo le decía “¿usted no se cansa?” y él decía “vamos a seguir un poquito más”…Era un pasada.

Recibe David Guetta disco de platino en México


Iván Moreno / elimparcial.com

Francia lo vio nacer y el mundo de la música electrónica lo adoptó como hijo predilecto, recibiendo sus bits musicales en voz de estrellas como Kelly Rowland, Fergie, Akon, entre otras, girando los reflectores hacia su placa discográfica “One Love”.

El material nacido durante 2009 sigue rindiendo frutos para el Disc Jockey y productor discográfico, especializado en música house, arrancando de México más de un aplauso, además de la certificación como disco de Platino por sus altas ventas.

El artista de 43 años de edad despertó al gigante musical dormido con el lanzamiento de otra versión del exitoso material, denominándole “One More Love”, lo que le valió su reingreso al Top 5 de ventas a nivel nacional.

“Después de haber vendido más de 2 millones de discos a nivel mundial, el multipremiado disco de David Guetta, ‘One Love’ se convierte en Disco de Platino en México... el artista se presentará en una pequeña gira por nuestro país durante el mes de marzo”, informa EMI Music.

“One More Love” se presente en una doble versión de CD; el primero pone de manifiesto el éxito de Guetta a través de sus ya conocidos “When Love Takes Over”, “Sexy Bitch”, “Memories” y “Gettin’ Over You”.

Además incluye un disco extra con 13 tracks que sorprende a todos los amantes del dinámico género con la participación de Rihanna dentro del hit “Who’s That Chick?”, sonando de manera exclusiva en el material discográfico.

David Guetta estremecerá el suelo mexicano con su lluvia de colores y alterados bits, recorriendo durante marzo Guanajuato, Distrito Federa, Nuevo León, Sonora, Puebla y Quintana Roo.