Robert Moog da lecciones de música electrónica en Google

Fuente: LaVerdad.es

Hoy Google celebra el 78 aniversario del nacimiento de Robert Moog, conocido popularmente como 'Bob Moog'.

El gigante de intenet sustituye su logotipo habitual de la página principal en homenaje a Robert Moog, pionero de la música electrónica y el inventor del sintetizador Moog. El protagonista nació tal día como hoy en 1934 y su aportación a la música ha hecho que en la actualidad puedan producirse los sonidos electrónicos, tan importantes en la producción de la música popular actual.

El original 'doodle' de hoy recuerda al de la guitarra eléctrica jugable Gibson de Les Paul, se posa sobre Google e invita a los usuarios a tocar el sintetizador Moog. Más interactivo que nunca, Google vuelve a derrochar creatividad con su última creación, un sintetizador completamente funcional que permite reproducir, grabar y compartir en Google+ melodías creadas por los usuarios.

El funcionamiento del sintetizador de Google puede verse al detalle en la página web de Moog, donde se explica al detalle cómo usar el revolucionario 'doodle' creado con tecnología HTML5 para producir sonidos modulables de cosecha propia.

Tanto con el ratón directamente sobre el instrumento o con el teclado del ordenador se puede controlar el sintetizador de este piano especial de Google.

Muchos usuarios ya se han animado y están subiendo a YouTube sus composiciones y han averiguado un poco más sobre la historia de Robert Moog.

Las primeras letras de Google dan forma al mezclador, oscilador, filtro y envolvente, respectivamente. En la zona de mezclas se puede controlar el volumen y los osciladores. El artefacto permite también controlar la frencuencia del sonido y ajustar el tono con varias opciones, gracias a sus filtros. Toda una obra de programación para recordar a Robert Moog.

Una vez que el usuario grabe su propia pista, Google permite compartirla en su red social, Google+. La página oficial de Moog Music ha elaborado una guía de inicio rápido para quienes quieran aficionarse al teclado Moog o simplemente quieran aprender un poco más del invento de Robert Moog.

Los doodles de Google
Sin embargo, no es la primera vez que Google recurre a modificar su logotipo con un doodle para conmemorar algún aniversario sonado. El que habría sido el 65 cumpleaños de Freddie Mercury tuvo una celebración que dejó a todos boquiabiertos.

El buscador sustituyó su cabecera por un vídeo de dibujos animados que repasaba la carrera del fallecido vocalista de Queen. Un doodle conmemoró también los 112 años del nacimiento del escritor Jorge Luis Borges, presentándolo observando un paisaje futurista y onírico, el 75 aniversario del nacimiento de Jim Henson, creador de 'Los Teleñecos', el cumpleaños del pionero del 'stop motion' Art Clokey, el 118º aniversario de Albert Szent-Gyorgyi, descubridor de la vitamina C, el centenario del nacimiento de Mary Blair o la llegada al mundo de Marie Curie.
Sin duda, el aniversario es la excusa más recurrida para sorprender a los usuarios con un doodle. La lista es muy larga. Google ha conmemorado ya los 410 años del nacimiento del matemático Pierre de Fermat; el 144 cumpleaños del pianista y compositor Enrique Granados; los 133 años del nacimiento del escultor Alexander Calder; el 189 cumpleaños del padre de la genética, Gregor Mendel; los 96 años del nacimiento del guitarrista Lester William Polsfuss, Les Paul, un doodle en el que el usuario podía tocar la guitarra; los 117 años del nacimiento de la bailarina Martha Graham; el 200º aniversario de la llegada al mundo del químico Robert Bunsen; los 164 años del nacimiento de Thomas Edison; el 183º aniversario de Julio Verne; los 235 años del nacimiento de la novelista Jane Austen, el 112º aniversario de Charles Chaplin, que se celebró con un corto de cine en lugar del logo de Google; el 137º cumpleaños de Harry Houdini; los 172 años del nacimiento del pintor Paul Cézanne; el 120º aniversario de la escritora Agatha Christie; los 115 años del nacimiento del murciano Juan de la Cierva o los 76 años del nacimiento del dibujante Roger Hargreaves.

No sólo las personas cumplen años. Un doodle conmemoró también los 450 años del inicio de la construcción de la Catedral de San Basilio en Moscú; el medio siglo de la llegada del hombre al espacio; el 65º cumpleaños de Pipi Calzaslargas; el medio siglo desde que Hanna-Barbera crease a Los Picapiedra; los 115 años del descubrimiento de los Rayos X o el propio aniversario de Google, que suele ser celebrado con un 'doodle tarta'. Google también conmemoró con un lazo negro a las víctimas del 11-M.
Pero Google no vive exclusivamente de efemérides. El gigante americano ha aprovechado también acontecimientos más concretos para tirar de doodle. Así, son recordados los dedicados al eclipse lunar, en el que el usuario podía ver todos los estados de la luna durante el fenómeno astrológico; a la visita de la reina Isabel II a las instalaciones de Google o a los solsticios de verano e invierno.
También han sido motivo de doodle festividades como el día de la madre, el día internacional de la mujer, San Valentín o la Navidad.



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Integrante de Plastilina Mosh, @MiltonPacheco presenta disco como solista

Agencia: Notimex

El músico Milton Pacheco, colaborador de la banda Plastilina Mosh, presenta su nueva faceta como solista con el disco On my way to Monterrey , el cual refleja de manera divertida y a través de la música electrónica la travesía del artista a lo largo de su trayectoria.




"El título del disco refleja esos años de travesía, en él hay muchos pasajes difíciles, ciertas adversidades que he tenido en mi vida los cuales se ven plasmados en este trabajo, pero como no quería que fuera un álbum muy depresivo, lo acompañé de música electrónica que es el género con el que más me identifico" , señaló.

En entrevista, Pacheco afirmó que este material cuenta con nueve temas de su autoría, los cuales están escritos totalmente en inglés, idioma que domina a la perfección gracias a que siempre ha vivido en la frontera; y cree es un idioma que se acopla muy bien con la música electrónica.




Acerca de su inquietud por realizar un álbum solista, el cantante comentó que desde hace 10 años inició con el proyecto el cual empezó a grabar hace cinco y el cual finalmente terminó durante 2011, gracias a una pausa como integrante de la banda conformada por Jonas y Rosso.

"Durante los años que llevo en esta industria siempre he hecho cosas con la música de otros, por lo que ahora que empiezo a tocar lo mío siento un gran desafío, ya que toda la responsabilidad de lo que suceda con este proyecto cae sobre mis hombros" , mencionó.




Acerca de cómo se siente en esta nueva faceta, el cantante aseveró que es un sueño que tenía desde joven y que siempre quiso hacerlo de manera profesional.

Por ello, dijo que inició como pinchadiscos y de esta manera lo invitaron para ser músico de Plastilina Mosh, lo que le ha significado una gran experiencia en la que lleva ocho años.

"El álbum está divertido, si escuchas sólo la música te diviertes pero si pones atención a la letra, verás que cuenta con contenido profundo y autobiográfico" , resaltó.




El álbum, que este mes se encuentra a la venta en descarga digital, tiene como primer sencillo Should I call? , que es un tema romántico al cual Pacheco consideró como cursi y su placer culpable. Asimismo, este corte cuenta con un videoclip realizado por Luis Espinoza, en el que se narra una historia de terror, lo que contrasta con la sensibilidad de la letra.

Pacheco recordó que en sus inicios como músico tuvo que trabajar como DJ en Monterrey a donde llegó proveniente de Mexicali, ya que aunque actualmente en esa ciudad fronteriza hay una escena musical importante, en aquellos años no existía.




"Llevo ocho años en Monterrey, llegué a esa ciudad para perseguir una carrera artística, no elegí el DF porque esta ciudad es muy grande y estaba muy lejos, además no conocía a nadie por acá por lo que tendría que llegar a la nada; en cambio, en Monterrey tenía conocidos y eso me hizo sentir más seguro" , relató.

Para finalizar, Milton Pacheco declaró que regresará a la capital mexicana a finales de este mes y entre sus planes se encuentra hacer una gira por la República Mexicana durante este año y espera que en 2013 pueda presentarse en Estados Unidos.



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Los mexicanos ponen a bailar a Coachella en EU

Autor: elUniversal.com.mx

INDIO, California.— Ximena Sariñana y la agrupación Hello Seahorse!, encabezada por la cantante Lo Blondo, fueron las representaciones mexicanas durante el primer día de actividades de la 13 edición del Festival Coachella, que arrancó el viernes.

La presentación de Hello Seahorse! se dio en un horario en el que mucha gente aún no llega para disfrutar del evento musical.

“Una aspira a llegar a una plataforma como Coachella, en donde compartes escenario con bandas internacionales. Es muy gratificante para nosotros, que cantamos en español, que los grupos latinos tengamos esta oportunidad”, dijo la intérprete Lo Blondo.

Otra de las intervenciones latinas corrió a cargo de Ximena Sariñana, cuya actuación se realizó en el escenario OutDoor Theatre.

No es la primera vez que la hija del cineasta Fernando Sariñana (Amar te duele y Todo el poder) actúa en un evento de esta magnitud, ya que el año pasado se presentó en Lollapalooza, en Chicago.

Durante su concierto en Coachella, Sariñana se refirió a California como su segundo hogar.

“El español es algo que nunca voy a dejar, pero ahora estoy viviendo en Estados Unidos y me gusta también escribir en inglés, tengo mucho que aprender y me emociona explorar este territorio”, había dicho Sariñana a EL UNIVERSAL, horas antes de tocar en el escenario que aglutina a los mejores del momento.

Día bueno

La cantante mexico-estadounidense Hope Sandoval, vocalista de la agrupación Mazzy Star, era una de las mujeres más esperadas durante el primer día de actividades.

Sandoval y su compañero David Roback aparecerían en público, después de 12 años de inactividad como líderes de Mazzy Star.

De acuerdo con información publicada en su sitio oficial a finales de 2011, ambos trabajan actualmente en la composición de las canciones que conformarán su cuarto álbum.

La agrupación británica James, que se presentará en México en unos días más, protagonizó una de las intervenciones más emotivas durante su debut en el festival.

El cantante Tim Booth hizo gala de sus dotes rítmicos y puso a bailar a unas 15 mil personas reunidas alrededor del escenario principal, quienes corearon efusivas temas como “Sometimes”, “Ring the Bells”, “Sit Down” y “Tomorrow”.

Durante su interpretación de Laid”, Booth invitó a un grupo de mujeres al escenario para que bailaran junto con él.

El vocalista también quiso sentir en carne propia el calor de la gente y bajó del entarimado para abrazar y saludar a sus admiradores.

Pulp, The Arctic Monkeys, Madness, Neon Indian, WU LYF, The Rapture, M83, The Horrors y el estelar de la noche, The Black Keys, son algunas de las agrupaciones que han causado mayor expectativa entre el público.

Los horarios y presentaciones están detallados en el canal de YouTube de Coachella, para que el público no se pierda a sus grupos o cantantes favoritos.

Ayer se presentaron, entre otros, la banda inglesa Wild Beasts, la estadunidense Oberhofer, así como Santigold, Real Estate, The Growlers, Fitz and the Tantrums, Seun Kuti & Egypt 80.

También Band of Skulls, Wild Flag, Beats Antique, Greg Ginn, The Hives, The Airplane Boys, Justice, Beirut, Gotye, Modeselektor, Florence + the Machine y TBA.

Por primera vez, el Festival de Música y Artes del Valle de Coachella (Coachella Valley Music and Arts Festival) se realiza durante dos fines de semana consecutivos.

El evento es un festival de rock, alternativo, hip hop y música electrónica y se lleva a cabo en el Empire Polo Field, en Indio, California.

En total serán 60 bandas las que participen en el evento internacional, que inició hace 13 años. (Con información de agencias)


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Abre las puertas al 'synth'

Autora: Elena Cabrera / Lainformacion.com

“Los melómanos de corte enfermizo tendemos a la sobreclasificación de los géneros” diceTito Ruano y añade que la prensa especializada también. El proyecto de agitación musical del que forma parte, Valle Eléctrico, ha sido autoclasificado bajo las etiquetas de post-electro clash, synth noise, disco dream pop, synth goth y pop nórdico. “Valle Eléctrico quiere aglutinar cualquier traza electrónica en la que los sintentizadores no sólo son uno de los que instrumentos principales, sino que marcan la propia identidad de su música”. Así que, por usar una resonante palabra ochentera que en España no tuvo mucha penetración, llamémoslo synth.

“Esa reformulación de los sonidos ochentosos, ese espíritu de componer para provocar el baile instantáneo, se ha transmutado. Hay cientos de nuevas formaciones que han decidido beber directamente del pasado y darle nuevos colores” explica Ruano. 

De las raíces del synthpop hoy nos llega synth-punk, synth-goth o synth-noize. El dreampop hazlo de baile y tenemos disco-dreampop. El electroclash hazlo oscuro y tenemos post-electroclash. Al witch house ponle algo que parezca un estribillo y tendremos glitch pop hipnagógico. Quizás en esa última nos hemos sobrado, pero es que hay que experimentar.

Ruano lo clarifica mejor: “Han mezclado electro pop con sónidos góticos, ruido industrial, sonidos evocadores de baja fidelidad, gamberrismos y así, tantas ideas nuevas, que nosotros hemos decidido decir ‘ok, ¿hay mucha variedad, porque no reenfocarla en un club mensual, sincero y honesto que crea que esa música es la mejor para bailar?’ Si hay clubs de techno, house, dance, dubstep o bass music, ¿por qué no el club donde el sintetizador sea su alter ego?”.

 

En la música pop se habla de escenas como una estructuración paralela a la de los géneros. A veces la escena es tan pequeña como la de tres amigos en Las Matas o tan grande como la del hip-hop. “Las escenas surgen cuando distintos artistas, bajo una misma identidad creativa y estilística, sustentan unos parámetros y códigos como medio de creación y expresión artística. Nosotros hablamos de escena, porque creemos en un espíritu de entender de música, algo mucho más atemporal que los géneros musicales”.

El objetivo de Valle Eléctrico es cimentar una escena synth en Madrid. “Una escena synth es algo que nosotros queremos crear, pero como tal no existe” a pesar de ciertos núcleos creativos en Brooklyn, Reino Unido, San Francisco, San Diego o Canadá, señala Ruano. Pero crearla en Madrid lo consideraban casi “imposible” porque “Barcelona ha eclipsado el efecto ya que los festivales más importantes que apuestan por la electrónica de nuevos sonidos y los locales que arriesgan en programación, como Razzmatazz y Nitsaestán en esa ciudad”. Madrid juega en desventaja. “La razón reside en que en Madrid los públicos no tienen costumbre en salir en función de quién es el artista que toca o pincha, pero porque los programadores no se han preocupado de crear esa necesidad, como sí ocurre en Barcelona”. Tito opina que se ha seguido la fórmula del éxito fácil y la capital huye del riesgo, “el publico se ha tenido que acostumbrar a ser pasivo y no exigente”. El programador cree que para crear ese cambio hay que ser constantes y sentar precedentes. “Madrid necesita un cambio y los públicos nocturnos lo piden”.

En Valle Eléctrico creen que ese público existe y está huérfano de escena. Es una audiencia entre los 22 y 40 años, residentes en Madrid capital y “con objetivo de la fauna deMalasaña”. Son habituales de festivales como Primavera Sound y Primavera Club oSónar, que se hacen en Barcelona; Paredes de Coura, en Portugal o ECO Festival, cuya primera edición ha tenido lugar recientemente en Matadero Madrid. Son “melómanos que rastrean en la red grupos noveles y nuevos artistas, buscan los conciertos por eventos del Last.fm y agendas de blogs de música especializada, leen revistas de tendencias y no son conformistas”, esta es la definición que Tito Ruano afirma que diría un “analista de públicos” pero ahora vayamos a por la opinión del agitador: “es un público ecléctico, de distintos estudios pero para el que la música representa un paso más al simple pasatiempo, es incluso un modo de vida. Y eso es lo bonito, una nueva generación que aparte de idolatrar el vinilo e incluso el retorno del cassette, no se conforma con los mass media y realmente se preocupa de investigar”.

Klaus'n'Kinski estrenan "Herrero y fatigas", forma electrónica y pop de fondo

Agencia: EFE

"Herrero y fatigas" ha sido el nombre elegido por los murcianos de Klaus&Kinski, conocidos por el eclecticismo sonoro que caracteriza su carrera, para titular su tercer álbum de estudio, que describen como un disco con forma electrónica y pop de fondo.

"El sambenito de eclécticos no nos lo vamos a quitar", confiesa en una entrevista con Efe el principal impulsor del proyecto, Alejandro Martínez, aunque matiza que en esta entrega se han centrado en "ciertas líneas maestras de estilo" que les hacen "más reconocibles".

Uno de estos pilares es la música electrónica construida a base de sintetizadores, que combinan en "Herrero y fatigas" con su faceta "más etérea y ambiental", en la que cobra una importancia decisiva la voz "lánguida y dulce" de su vocalista, Marina Gómez.

El uso de la cuerda también ha ganado fuerza, con la incorporación de una violinista a la banda, en un disco elaborado para suceder a "Tierra, trágalos" (2010), con el que recorrieron festivales como Contempopranea o Lemon Pop.

En este sentido, Martínez describe a los integrantes de Klaus&Kinski como músicos "muy desprejuiciados" que afrontan las incursiones en géneros como la habanera o la canción popular flamenca obedeciendo a sus propias "pulsiones", sin tener en cuenta los "clichés y límites" que se autoimponen otras formaciones.

"La gente está acostumbrada a que salgamos con cosas poco ortodoxas dentro del pop rock", sostiene antes de recordar que su objetivo es alcanzar una personalidad tan fuerte que sea capaz de homogeneizar todos los estilos que practican, como hicieron en su día The Beatles o The Cure.

A pesar de ser encasillados por los medios y el público dentro del género "indie", Marina Gómez dice no sentirse "parte de nada" y añade sin tapujos: "La mayoría de estos grupos nos parecen una mierda".

Alejandro Martínez, por su parte, reconoce que se ha perdido la esencia de este movimiento, siendo cada vez más "permeable" la frontera que lo separa de la radio fórmula. "Quedan los rasgos, las formas académicas", admite.

Su carencia de prejuicios se refleja también en el título de canciones como "Mengele y el amor", en las que practican un "humor negro" del que se sirven únicamente como recurso literario.

"Necesitas interconectar situaciones y pensamientos que den lugar a un plano más trascendente", comenta Martínez, encargado de componer todas las letras.

Como adelanto de "Herrero y fatigas", Klaus&Kinski publicaron recientemente el videoclip de "Ojo por diente", en el que muestran la aburrida cotidianeidad de un matrimonio. "No tengo nada en contra del matrimonio conceptualmente -matiza su cantante-, pero las bodas me parecen un alarde de horterada bastante prescindible".

Aunque su trayectoria musical ha recibido muy buenas críticas, sus componentes siguen manteniendo trabajos paralelos. "La lucha diaria es la de intentar profesionalizarse", señala Martínez, quien lamenta la "inestabilidad permanente" en la que viven.

"Independientemente de que el disco sea mejor o peor, la situación es peor", recuerda Gómez sobre la dificultad para concertar directos en medio de una coyuntura económica negativa.

Stereo Total, el arte de homenajear

Autor: Alfonso Nava / ElSigloDeTorreon.com.mx

 Berlín es en muchos sentidos el epicentro de la cultura occidental contemporánea. Ciudad castigada y dividida, capital de la filosofía en el siglo XX. Para la música pop es la cuna del krautroc, el neue deutsche welle (bases del techno) y los géneros que hoy se agrupan bajo el ambiguo término de ‘música electrónica’. Paisajes berlineses ilustran obras fundamentales de David Bowie, Brian Eno o Lou Reed, ejecutantes de avanzada.

Quizá como en la Italia renacentista, lo nuevo sólo parece continuación (cuando no una reinterpretación) de lo ya hecho por los grandes maestros y episodios. Donde la genialidad es la regla, lo insólito no es siempre tan atendido. En un lugar como Berlín, que parece tener espacio para todo, lo nuevo siempre tiene la apariencia de copy-paste. Eso que exasperaría a muchos egos es el basamento lúdico, bien reconocido y asimilado de Stereo Total.

EJE PARÍS-BERLÍN

Stereo Total es un dueto formado por Françoise Van Hove, francesa, y el alemán Friedrich von Finsterwalde, mejor conocidos como Françoise Cactus and Brezel Göring, respectivamente.

Ellos mismos se definen como una amalgama entre dos tradiciones: la chanson française y la deutsche electrónica. El dulce jazz mediterraneé de Henri Salvador pinchado por un DJ berlinés en una fábrica abandonada. Tal combinación de estilos tan disímbolos ya nos habla de un carácter lúdico. Asociamos el primero a una idea de sofisticación, a una música que nos genera la imagen de Brigitte Bardot; el segundo, a un desborde percutivo, a un ritmo de taquicardia y botas Dr. Martens. Esa cualidad traviesa se sostiene en un trabajo resistente a cualquier tipo de pretensión: letras diáfanas, easy listening, tratamientos sencillos. Casi como canciones adolescentes, en lo que justamente los pretenciosos calificarían como un estilo naíf.

El juego no es nuevo. 30 años antes de Stereo Total, la voz de Nico y los riffs de Cale y Reed hicieron la primera amalgama similar. En los ochenta, sobre otro grupo de letras simples, se solía decir: “se baila, pero te hace pensar”; Talking Heads y Velvet Underground and Nico están pues al fondo de los alientos experimentales de este dueto francogermano.

Esos son los dos ejes mayores, pero el stock creativo de Stereo Total es mucho más amplio. Ellos mismos identifican como influencias al punk, al rockabilly e incluso al disco. En sus covers asoman por igual KC and The Sunshine Band, el rap de Salt-n-Pepa, el pop de Mecano, el eclecticismo japonés de Pîzzicato Five y más. Todo cabe en esta frecuencia. De allí la pertinencia de su nombre: Stereo Total.

PASTICHE AVANT-GARDE

Cactus y Göring se conocieron en una panadería de Berlín a principios de los noventa, época en la que resonaban los ecos finales del muro derribado. Una buena temporada para la música también: el Achtung Baby de U2 se volvía la respuesta europea al grunge y recordaba al pop mundial aquel aliento berlinés de vanguardia. La mención de la caída del muro no es puro contexto. A inicios de la década no fueron pocos los grupos que recrearon (en sus letras o su atmósfera pop) esa fascinación recíproca en el descubrimiento del Berlín dividido. Si los ciudadanos del primero fueron presas inmediatas del encanto consumista, los segundos integraron por vías naturales el imaginario soviético por medio de actos iconoclastas.

Cactus, con su banda Les Lolitas, ya contenía ese universo pop e iconoclasta. Göring tenía ya una fama bien ganada como músico experimental, creador de paisajes sonoros por medio de instrumentos electrónicos, una larga trayectoria como DJ e incluso un track en el que participó nada menos que la propia Christa Päffgen, la musa de Warhol, Nico.

En solitario ambos trabajaban estilos de música que por naturaleza representaban un desafío. Les Lolitas guarda en su fondo un provocador sonido punk-garage, y el trabajo de Göring desafiaba a la música figurativa en una época en que la realidad se imponía con crudeza. El primer trabajo de Stereo Total es igual de provocador, aunque lamentablemente perdido: la musicalización de una receta de cocina en la que todos los ingredientes poseen cierta connotación sexual.

Al carácter sencillo en las líricas, el dueto le suma un tratamiento de ejecución al que califican como minimalista: usar la menor cantidad de instrumentos (ella voces y percusiones; él sintetizadores y ocasionalmente algún instrumento distorsionado). Paradójicamente, este modelo despoja de artificios (como los tramposos solos de guitarra, o las secciones de alientos o violines que cualquier productor pondría para encauzar efectos a la mitad de una tonada monótona) y robustece tanto las líneas melódicas como las argumentales. Allí lo lúdico gana en complejidad sin sacrificar, justamente, lo juguetón.

Oh, Ah! (1995) es el álbum debut de Stereo Total. A lo largo de las siguientes producciones la apuesta será similar en el fondo; en la forma, los cambios son de experimentación tecnológica por parte de Göering, y de exploración argumental y de plataforma por el lado de Cactus. Lo primero es un camino natural; lo segundo abreva al arte del retake, remake, remodel que caracteriza a la obra del conjunto y que ha sido el gran camino del arte contemporáneo. Hablamos del terreno de lo multidisciplinario.

El sello de Stereo Total en esa línea queda manifiesto con su álbum Musique Automatique (2001), hoy considerado de culto y que contiene algunos de sus tracks más icónicos como L’ Amour A 3, el cual suelen interpretar en francés, inglés o español, según el país que visiten. Recibido con críticas mixtas, el disco fue para muchos el gran momento en que Stereo Total abandonó la ejecución casi doméstica y reforzó sus modelos de producción para lograr una obra de gran factura. Para otros, ese mismo escenario representó una pérdida en lo que antes lucía como ejecución artesanal. Lo que indudablemente agrega este trabajo de estudio es la noción de estilo: ante el aliento policromático de Stereo Total, se impone una idea de uniformidad relacionada con recursos, temas, pasajes sonoros que afirman para ellos un lenguaje propio. Es decir: cada canción es distinta, pero la mano es la misma.

La noción de identidad se consolidó con Discotheque (2006), álbum de remixes donde el dueto aplica el ya citado modelo: ‘retrabajar’ lo ya hecho pero con sus propias creaciones. Tal pauta se afianzó con la inclusión de ecos de Rolling Stones, The Velvet Underground, y de Nico en lo individual (el tema Chelsea Girls alude al material homónimo de la alemana).

La discografía del dueto suma ya 11 álbumes; parte del más reciente de ellos, Baby ouh! (2010), pudo escucharse en vivo durante sus presentaciones del año pasado en México.

PLATAFORMA MÚLTIPLE

Algo que ha caracterizado a Stereo Total es su producción políglota. En toda su discografía hay tracks en diferentes idiomas y este no es un ardid de cosmopolitismo ni una estrategia de penetración (crossover, como se dice en el mercado discográfico). No: es parte de la búsqueda de Cactus. Cada lengua se revela como un horizonte nuevo desde el cual recorrer otras posibilidades de realidad.

Asimismo, el hábito de ‘samplear’ no es por una carencia de lo insólito, sino el hallazgo en lo que ya está creado. La acumulación de influencias tan disímbolas en un solo proyecto no es un afán de collage sino de mixtura, de amalgama. Así como Stereo Total trabaja esos elementos, lo hace con su producción multilingüe: es hallar lo nuevo en lo que ya está sobre la mesa.

Este afán exploratorio sólo se puede explicar por las ambiciones multiplataforma de Françoise Cactus: pintora de tesituras coloridas en la línea del pop art, con líneas argumentales que examina constantemente desde su música (el sexo, el deseo e incluso -como ella misma reconoce- el porno), y escritora de registros experimentales de cierto modo (aunque con menos rigor y con intención humorística) con el mismo perfil temático que sus cuadros.

Al recrear, hay propuestas que se quedan a nivel de copia al carbón y otras que insuflan nueva vida a lo ya existente. Como las ruinas bajo las que yacen otras muchas ciudades, la vocación exploradora de Françoise y el acompañamiento tecnológico de Brezel han resignificado el arte de crear a partir del pastiche, del homenaje.

Correo-e: ziggynsane@gmail.com

DISCOGRAFÍA TOTAL

1995 Oh Ah!

1997 Monokini

1998 Juke-Box Alarm

1999 My Melody

2001 Musique Automatique

El Festival Tamoanchan, a favor de la diversidad

Autora: Patricia Curiel López / Milenio.com

 El Festival Tamoanchan World Music en Morelos es un espacio donde conviven diferentes culturas y se reúne música de todos los rincones del mundo. Su tercera edición consecutiva se lleva a cabo del 17 al 26 de febrero en Cuernavaca, Yautepec y Tepoztlán. A pesar de ser un festival joven ha logrado crecer y mantener estabilidad logrando ya el reconocimiento a nivel internacional.

Una leyenda mexica cuenta la historia de Tamoanchan, que significa “La casa de donde ellos descendieron”, un paraíso en donde se encontraba el árbol divino que representaba el sostén del cielo, donde se criaban los dioses y nacían los hombres. Haciendo referencia a su nombre, la propuesta de este festival propugna el respeto, la diversidad cultural y la convivencia entre los seres humanos para crear un cambio de conciencia a través de la música.

En conferencia de prensa Martha Ketchum, directora general del Instituto de Cultura de Morelos comentó que “México es una potencia en cultura. En ese sentido, generamos productos y una serie de servicios creativos de un atractivo que nos hace sin duda uno de los países con una plataforma de turismo cultural de los más fuertes del mundo. Es un tema por el cual todos debemos apostar y trabajar.”

La inauguración será en la explanada del Palacio de Cortés, que fuera el centro ceremonial de los tlahuicas. Se realizará un desfile en zancos y mojigangas, además “se van a proyectar fotografías gigantes de la naturaleza. El tema son los cuatro elementos en su máxima expresión, acompañados por un gran elenco de artistas”, dijo Estusha Grinberg curadora artística del Tamoanchan.

Durante 10 días se podrá disfrutar de ritmos como el jazz, flamenco, electrónica, salsa, funk, reggae, rock progresivo, cumbia, sones jarochos, música judía, electro-jazz y ritmos afrocaribeños , entre otros.

Grupos como Tres Tristes Tangos, Anacrúsax, Avant Folk, Klezmerson, Fuxé, Fusión Creativa y Gente Roja, Tonana, Radaid y Los de Abajo, entre otros, se unen a esta propuesta musical que promueve espacios para el desarrollo artístico y la convivencia entre jóvenes. 

Franceses modernos sin electrónica

Autor: Pablo J. Vayón / DiarioDeSevilla.es

Fundado justo en el arranque del siglo XXI, proyectoEle nació con la voluntad de combinar el canto coral con la electrónica y el experimentalismo, un terreno absolutamente baldío en la Sevilla del momento.

Para su último trabajo, el conjunto ha prescindido en cualquier caso de puestas en escena atrevidas, proyecciones de imágenes y sonidos sintetizados, habituales en otras citas, actuando al modo de un coro convencional. Dirigidas por Carlos Cansino Pérez, diecisiete voces se enfrentaron a una serie de colecciones de canciones francesas del siglo XX, repertorio muy difícil ya desde la misma pronunciación, siempre complicada para los que no tienen la lengua francesa como idioma materno, un problema que se acentúa obviamente en las asociaciones corales.

El grupo lo pagó en prestancia sonora, afectada también por una afinación y un empaste que no siempre fueron ideales y por algunas imprecisiones en principios y finales de frase, sobre todo en la primera parte de un recital que, en cualquier caso, fue de menos a más. Faltó al principio algo de equilibrio entre secciones y de homogeneidad en las voces, con las masculinas por norma en muy segundo plano y aportaciones de calidad muy dispar en las partes solistas.

Pese a ello, y para una música que abunda en los pequeños detalles de color y de retórica, con abundancia de figuras madrigalísticas, se apreció un notable trabajo sobre los reguladores y los contrastes de agógicas, con gran variedad de matices de intensidad y una muy correcta conducción de las voces, tanto en los pasajes homofónicos como en las breves píldoras de estricta polifonía. Lo mejor llegó al final, tanto en las piezas recientes (2003) del argentino Malachevsky como, sobre todo, en la música de Ravel, en la que el grupo se creció, ofreciendo un sonido redondo y moldeado con gracia, elegancia y sensibilidad.

paisajes sonoros - proyectoeLe + bípedosydígitos from diminuta on Vimeo.

Nortec, lo mexicano hecho electrónico

Autor: Yuvenil Torres / CriterioHidalgo.com

Fotografía: Ulises de la Fuente

Video: @LeoCano / Orbesonora.com

La fusión de la música norteña por medio de sonidos electrónicos son los elementos que caracterizan a Nortec Collective. Originarios de Tijuana, este colectivo ofrece desde hace 13 años una nueva propuesta que no es una mezcla, sino una deconstrucción de la música.

En entrevista para Criterio, los integrantes de Nortec, Bostich y Fussible, adelantaron que preparan su nuevo material discográfico el cual estará listo este mismo año y será una especie de continuación de sus dos materiales previos, Boulevard 2000 y Tijuana Sound Machine.

“No podemos decir el nombre del próximo disco, pero va a ser la secuela de los dos anteriores, en cuestión sonora va cambiando porque hay diferentes formas de deconstruir los sonidos, el nuevo disco es una continuación”.

Nortec compartió previo a su presentación en la ciudad capital, que “la música norteña y la electrónica eran géneros totalmente distintos, y era un poco difícil, pero al paso del tiempo el público ya lo ve de manera muy natural y se identifica con esta música”.

La característica propuesta de Nortec, es ahora lo que lo ha convertido en una referencia sobre lo está haciendo México, “hoy en día lo de Nortec es lo que ha caracterizado a la música contemporánea de México”, resalta Bostich.

Y es que se han presentado en festivales internacionales como Sudáfrica y Nueva Zelanda, en donde toman a Nortec como referencia de lo que está sucediendo en la música contemporánea en México.

El colectivo Nortec utiliza para sus creaciones instrumentos tradicionales como el acordeón y la tuba, sobre esto cometan que “es algo muy natural, cuando empezamos a mezclar estos sonidos fue como llevar todas nuestras experiencias, desde crecer en Tijuana y escuchar música electrónica desde los 70, 80, y 90.

Y la música norteña por otro lado que aunque fue música que nosotros no consumíamos en ese tiempo pero fue una forma muy natural de fusionarnos, entonces lo de Nortec no fue decir vamos a hacer sonidos de este tipo, simplemente se dio llegaron a nuestras manos esos sonidos, los empezamos a mezclar y es así como nació ”.

Además, dentro del propio país han tenido mayor presencia a partir de su participación en los Juegos Panamericanos de Guadalajara en octubre del año anterior, “los Panamericanos ha sido el antes y el después quizá de Bostich más Fussible y también del sonido Nortec”.

La música debe compartirse, expresó Nortec Collective, quien se manifestó en contra de la Ley SOPA un mecanismo de censura, que de acuerdo con sus promotores busca perseguir la piratería.

Los integrantes de Nortec dijeron que en México la industria de la música no está protegida por las autoridades competentes, “la industria también va cambiando pero los actos radicales se generan porque las leyes no existen aquí para los músicos.

“No nos protegen, ahorita puede llegar cualquier hampón registrar tu nombre o una canción y las leyes los amparan porque no están muy claros los términos y ahora la industria está mutando para bien, si vienen nuevas tecnologías la industria va a cambiar”.

A manera de protesta por Ley SOPA, Nortec permitió que se descargaran de la red 200 tracks, entre creaciones propias y de algunos amigos, “lo hicimos como parte de esta manifestación ante la iniciativa, pero realmente nada serio por parte de los músicos mexicanos, eso me decepcionó”.

“Debe haber más participación de los músicos mexicanos en este tipo de actos porque al final lo que va a hacer es joder todos”, dijo Fussible.

Finalmente reafirmaron que su relación con Panoptica, quien también formó parte del colectivo en sus inicios, está rota pues Roberto A. Mendoza, registró el nombre de Nortec, lo que representa falta de lealtad y ética hacia el colectivo.

“No va a haber ninguna relación, es muy difícil volver a ganarse la confianza cuando se hacen este tipo de actos, registrar el nombre nos perjudicó mucho”, dijo Bostich.

La música trance es una rica expresión universal que genera mucha pasión: Armin van Buuren

Autor: Juan José Morales
Fotografía: Eduardo Grassi / El Salvador.com

Pocos artistas en el mundo pueden movilizar multitudes y luego recibir de una presentación cientos de gritos y miles de aplausos. Armin van Buuren es uno de ellos, porque ha logrado desarrollar un sonido inconfundible e irrepetible.

Concibe la música electrónica como algo universal, sin diferencias de géneros y que, por ser fruto de la tecnología, se va perfeccionando para mantenerse "viva".

En esta entrevista con El Diario de Hoy, que se publica en El Salvador, repasa su evolución y sus perspectivas sobre una de las escenas musicales más ricas y prolíferas.

—Seis años después regresas a El Salvador, ¿qué ha cambiado en tu carrera y en que punto te encuentras?

—No hay duda que es mucho tiempo y que son tiempos diferentes para la música en general. Sin embargo, logré posicionar mi faceta de productor y lancé dos álbumes: "Imagine" y "Mirage", en los que exploré sonidos frescos y trabajé hasta con artistas que no forman parte del movimiento electrónico. Pero sigo siendo fiel a mi estilo musical, el trance.

—¿Hay Armin van Buuren para rato? ¿Qué pueden esperar tus fanáticos

—Muchas sorpresas (entre risas) como por ejemplo mi nuevo álbum, que espero lanzar este año, una compilación de la serie "A State of Trance" para las próximas semanas y sencillos bajo mis diferentes alias, sobre todo Gaia.

—¿Qué estilo tendrá esa nueva producción? ¿Bajo que idea lo estás concibiendo?

—Me inspiran muchas cosas: el ambiente de un club, las playas y montañas, la naturaleza en sí y sobre todo la gente alrededor del mundo y los miles de ritmos y culturas existentes. Por el momento he tomado algunas decisiones, solo puedo adelantar que ya estoy trabajando en mi estudio.

—¿Cómo vives el día a día, entre giras, programas de radio y horas de estudio?

— Quiero ser sincero, amo lo que hago todos los días, no se lo digas a mi representante pero hasta lo haría gratis (ríe de nuevo), todo es por pasión. Pero lo que más me mueve es el sentimiento que se crea al hacer lo que te gusta y recibir miles de muestras de apoyo y de reconocimiento. Es algo inexplicable.

—¿Y los premios, las ganancias?

—Llegan. Yo no trabajo para Dj Mag (una revista especializada) o para ser millonario. Creo en la música porque une a las personas, me considero alguien más dentro de este movimiento. Los "beats" me crearon a mí y yo a ellos, es un gran enlace.

—¿En qué sentido visualizas la música dance?

—Las cosas van cambiando y dentro del trance hay mucha vida. Yo estoy abierto a nuevas tendencias, hay una interrelación de géneros porque "no hay que ser prisionero de tu estilo". Canciones como "Zocalo" reflejan la influencia latinoamericana, sus vastas percusiones. Y por ello volveré pronto a El Salvador, me encanta e inspira.