Pita Wilona

LIIZ RODRIGUEZ

OxOmAxOmA

Noche de música electrónica #Novilunio2012 San Luis Potosí

Fuente: pulsoslp.com.mx

Este sábado 20 de octubre se llevará a cabo la segunda edición del concierto de música electrónica “Novilunio 2012”, organizado por el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, que ofrecerá al público, principalmente juvenil, un espacio de difusión del arte musical en su género electrónico, así como la posibilidad de disfrutar y convivir con artistas de nivel local, nacional e internacional.

El concierto que tendrá lugar a las 20:00 horas en el Foro al aire libre de este recinto, tendrá la participación de los DJ’s Ramiro Puente y Pollyfonika, de la ciudad de México, así como los locales Liz Mappe, Armando Cooper y Gabriel Filica, además de invitados especiales provenientes de Alemania y Francia como son el dueto Gebrüder Teichmann y Life extensión, respectivamente.

“Novilunio 2012” es un concierto que presentará a excelentes DJ’s y productores de este género que han dedicado su trabajo y creatividad a las artes, y que compartirán el escenario musical a través de la fusión de diversos estilos de la música electrónica como tech house, techno, progressive house, psytrance, underground, Franch Couch, Indie, hardcore, entre otros.

El trabajo musical de los artistas invitados será complementado con elementos contemporáneos y proyecciones audiovisuales que transmitirán y envolverán de toda la fuerza, energía, calidad y talento musical al público asistente que por segunda ocasión disfrutará de este evento artístico juvenil en el CASLPC.

El programa de actividades y los puntos de venta de los accesos para Novilunio 2012 podrá ser consultado a través de:

http://centrodelasartesslp.gob.mx/home/eventos/novilunio-2012/

Mayores informes en el CASLPC al 137 41 00

Wolfgang Flür, el padre de la música electrónica en México

Fuente: informador.com.mx

A sus 65 años de edad, Wolfgang Flür no sólo se jacta de haber desatado la fiebre de la música electrónica en la década de los setentas, sino que aún la alimenta. De hecho, el alemán está tan presente en la escena musical que se encuentra en México para ofrecer presentaciones como DJ Set en Puebla, Distrito Federal y Tijuana.


I was a Robot es el proyecto que lo pone a girar por diferentes partes del mundo y su tour llega a México.


“El mío es un espectáculo completamente diferente al de otros DJ’s, no es el tipo de música que ellos ofrecen. Desde el principio hasta el fin es un viaje, siempre en el escenario dejo que mi música hable por mí, por los movimientos que hago, es muy dinámico”, comenta en entrevista vía telefónica desde Puebla, encantado, asegura, con el trato que ha recibido desde su llegada.


Es considerado el padre de la música electrónica por haber diseñado la batería eléctrica y otros instrumentos de percusión a su paso por el grupo de Kraftwerk, de 1973 a 1987, un parteaguas para el género a escala global, por la textura sonora que alcanzaron gracias a las aportaciones de Flür.

Pero más allá de que sus instrumentos dieron nuevos bríos a los temas de la banda alemana, el músico, quien actualmente sigue activo en un proyecto individual, sabe que las herramientas para crear el sonido no lo son todo cuando de música se habla, y es justo ahí donde versa el “error” de DJ’s o grupos del género de estos tiempos, según argumenta.


“En mi caso, elijo para el programa de mis conciertos únicamente las canciones que en verdad tienen para mí un sentimiento. Por supuesto que me gusta el tipo de música electrónica a partir de los últimos años, que es muy diferente, pero no me gusta el típico thecno, como el que se está escuchando mucho en Alemania”, subraya, pues considera que carece de este sentimiento del que habla.


Para Flür, los exponentes de la música electrónica de su país, genéricamente, se han acostumbrado a una receta de crear nuevas piezas sin tintes originales, cuando tienen en sus manos la oportunidad de crear sonidos innovadores a su propio estilo.


“Tienes que escuchar tu corazón, es absolutamente común que la gente copie la música de sus ídolos, cuando eres joven lo haces pero tienes que identificar y canalizar tus propios sentimientos. Se necesita ser único para destacar y no pensar en el dinero que puedes ganar, es clave”.


La trayectoria que ha hilvanado lo respalda como una voz autorizada para emitir juicios y valoraciones del estado que conserva la música electrónica en Alemania y, también, alrededor del mudo, con los diferentes exponentes de este género que se ha consolidado a lo largo de poco más de tres décadas.


Además, gracias al desarrollo tecnológico que se vive en la actualidad, asegura que las nuevas generaciones tienen de su lado la tecnología para facilitar su proceso creativo, pues en los setentas el equipamiento era inmenso, aunque el sonido resultante era más orgánico, dice nostálgico.


Todo lo anterior se transmitirá gracias a las programaciones sonoras que tiene programadas para esta noche, en la que está decidido a mantener la fiebre que en algún momento desató.


PERFIL

Sonidos de vanguardia

Wolfgang Flür

Edad: 65

Origen: AlemaniaCarrera: Percusionista en Kraftwerk (1973 a 1987), más tarde en Yamo, Dyko, Spirits of Sound, Fruit, The Beathovens, DJ set en la actualidad

Aportaciones: Creó la batería eléctrica y equipo de percusión. Se le considera el padre de la música electrónica

FRASE

"Debes encontrar tu propio estilo y explotar tu talento, hay miles de posibilidades en este género", Wolfgang Flür,músico.

Música electrónica en ascenso

Fuente: El Universal

La industria de la música electrónica ha ampliado su espectro; para promotores y músicos, el ascenso era previsible, pues los avances tecnológicos vaticinaban el futuro de las mezclas.

John Digweed, quien junto con DJ Sasha ha peleado los primeros sitios de la música electrónica en los últimos 10 años, tiene claro el panorama.

“Ahora es más sencillo que cualquiera tenga su propio equipo en casa y pueda trabajar en su cuarto; se ha ampliado la competencia, es verdad, pero no todo lo que hay en la red es bueno y la gente cada vez toma más riesgos, yo siempre digo que deben seguir buscando espacios, pero que lo elemental es tener aunque sea una canción hoy en el top a no tener ninguna”.

Aunque concurrido el espectro, muchos se han dado la oportunidad de impulsar a la gente con talento, tal es el caso del DJ inglés Paul Oakenfold, quien cuenta con una interminable lista de abridores, como Jennifer Renne. “Lo increíble de esta industria es que no está consciente de que es trabajo y muchas veces se pierde el piso; a mí me ayudó mucho contar con el apoyo de mis compañeros, pues siempre se califica a una mujer por otro tipo de atributos”, refirió Renne, quien lanzará disco en septiembre.

México es uno de los mejores mercados, pero aún les falta identidad; se debe preservar una cultura de la música electrónica, así lo afirma Cookie quien lleva 10 años en la industria. “Aquí todavía nos encontramos en pañales y en un intento por copiar todo lo ya existente”.

Oferta y demanda

Y aunque el mercado para explotar a los DJ’s es amplio, aseguran que el monopolio en el espectáculo no es con lo único con lo que deben lidiar, sino con las elevadas cotizaciones que tienen estos músicos en el país.

“El problema es que no han sabido realizar tabuladores, y los elevan mucho y lo peor es que hay veces que ese dinero se queda en manos de los que ofrecen el evento y ni siquiera de los artistas”, explica Cookie.

En 2009 hubo mayor celeridad en ventas de consolas más que de guitarras eléctricas y el panorama y los espacios se ha ampliado. Los mejores músicos se encuentran en Alemania.

“Uno de los grandes mercados es Europa y Estados Unidos, pero el problema no está en salir, sino en crecer y permanecer; a veces a los latinos no se les abren las oportunidades, pero crear música requiere de toda una estrategia, muchos buscan sólo generar ganancias, pero no es el fin”, recalcó el argentino Hernán Catanneo.

Pero el desarrollo va en aumento, y aunque por cada 100 conciertos realizados en Ibiza en las ciudades cosmopolitas sólo se realizan unos 10, se prevé que en años posteriores haya una aceleración. “Es indiscutible, en México y en Asia hay grandes espacios; antes ese tipo de música se reservaba en espacios cerrados o en masivos, pero nunca había existido un escenario designado en Festivales de rock o Centros familiares como ahora”, dijo Paul Van Dyk.

El valor de la identidad

Para estar al nivel de los grandes exponentes internacionales, a los Dj’s mexicanos les hace falta encontrar un movimiento propio. “Para los artistas mexicanos no es muy bueno, no han sabido crear una identidad mexicana como músicos de electrónica, ha sido un poco fuerte la copia a los extranjeros y no han desarrollado su propio estilo, de ahí el problema en el crecimiento de los artistas de acá”, reiteró Cookie.

“Hay muchísimo talento en México, pero, como en Francia hay un movimiento de música electrónica, es un estilo, pareciera que los mismos DJ’s se juntan para proponerlo al mundo. En México no se ha creado un estilo propio”, señaló Blanca Ávila, quien considera que además de una cultura y espacios específicos, hay que terminar con la mala fama de los llamados raves en el país: “Debe haber lugares emblemáticos para que los DJ’s tengan mucha chamba y donde tocar”.

Norteño del norte @RamonBostich @Nortec_Fussible #Nortec @pepeMogt @Bostich #Orbesonora

Norteño del norte @RamonBostich @Nortec_Fussible #Nortec @pepeMogt @Bostich #Orbesonora

Contemporánea y electrónica: dos músicas hermanas

Autor: Fernando Díaz de Quijano / ElCultural.es


Si John Cage viviera hoy sería DJ o productor de electrónica. Eso cree Lorena Sánchez, productora de Crasmúsicas, un proyecto que une dos mundos que han ido casi siempre por caminos separados: la música clásica contemporánea y la música electrónica de vanguardia. La afirmación no está exenta de fundamento; la faceta experimental del músico estadounidense no se limitó a introducir cucharas y todo tipo de objetos dentro de un piano o a firmar una partitura en blanco con un silencio de cuatro minutos y medio, también probó las mieles de lo que podía ofrecer la incipiente música electrónica.


Crasmúsicas actúa como catalizador de la hibridación: pone en contacto a compositores y músicos de ambas disciplinas y les propone trabajar juntos, hace un seguimiento del proyecto y, según las necesidades de cada uno, incorpora bailarines y artistas visuales. Su objetivo: “acercar al público general las músicas más académicas y experimentales”, explica Sánchez.


Como ciclo, Crasmúsicas se celebra en la Nave Musical de Matadero Madrid con la colaboración de Red Bull. En citas anteriores ha llevado su particular propuesta al terreno del réquiem -en el vídeo- y la ópera, y el próximo 12 de julio, harán lo propio con el cabaret. Este jueves presentan “Nello Stile Antico” (“En el estilo antiguo”), el cuarto proyecto de la que es su segunda edición. Para celebrar el centenario del nacimiento de Cage, el compositor Tomás Garrido dirigirá el maridaje de la DJ Pelacha con Utopic Ensemble -Sergio López (oboe), Alex Tatnell (trompeta), Julián Elvira (flauta), Andrés Ortiz (violín), Antonio Agúndez (viola) y Alvaro Llorente (violoncello)-. Reinterpretarán obras de Cage, Llorenç Barber, Antonio Agúndez y el propio Tomás Garrido, con espacio para la improvisación, la performance, la danza y los efectos visuales de Paco Gramaje.


Lo que ofrece Crasmúsicas es una experiencia única, destinada a un público general con cierta disposicion hacia el arte contemporáneo, que busca en su tiempo de ocio experiencias culturales que le ofrezcan algo innovador. 
“Apenas hay iniciativas de este tipo, aparte del festival Club Contemporary Classical (C3) de Berlín (donde seleccionaron un proyecto nuestro el año pasado) y la productora londinense Non Classical, aunque en realidad esta última organiza conciertos donde ambos estilos se yuxtaponen pero no se hibridan”, explica la productora del ciclo.


En el fondo, la figura del compositor de música contemporánea y la del productor de electrónica tienen bastante en común: “Ambos trabajan de forma individual y aunque la mayoría de los productores de música electrónica tienen una formación autodidacta, la manera en que crean y combinan diferentes pistas de sonido se parece mucho a la orquestación”. Unas similitudes que se alían para demostrar que lo experimental no es “raro” ni “inaccesible”, sino un paso en firme hacia la música del mañana.


http://crasmusicas.com/

Participarán en @MUTEK_MX más de 25 artistas internacionales

Fuentes: Notimex, periodico.am, mutek.mx

Cerca de 25 artistas de diversas nacionalidades participarán en el Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica, Mutek.mx, que se efectuará del 3 al 14 de octubre en el Distrito Federal y en Guanajuato.

En conferencia de prensa, Damián Romero, director de Mutek.MX dio a conocer algunos detalles de esta plataforma, donde también se presentó la primera parte del trabajo fílmico “Freedom”.

José Manuel Espinoza, director del filme, estuvo en la presentación del documental, que tuvo como escenario el recién estrenado cine Tonalá.

La segunda parte de este documental será exhibida en agosto y ambas partes se mostrarán en octubre como parte del festival, que contará con la presencia de cerca de 25 artistas provenientes de diversas partes del mundo.

Romero confirmó la presencia de Scuba, Tim Hecker, Dj Harvey, Nathan Fake, Jon Hopkins, Elektro Guzzi y Macario, entre otros, cuyas actividades se distribuirán entre esta ciudad y Guanajuato, en esta última ciudad, en el marco del Festival Internacional Cervantino 2012.

Otra de las sorpresas que anunció el ejecutivo, es el primer concurso de creatividad interactiva “Forward”, el cual cuenta con diversos ejes temáticos, donde los jóvenes tendrán que crear una pieza interactiva.

Las bases del concurso se dan a conocer en la página oficial del festival www.mutek.mx

Romero destacó que esta plataforma ha servido para la expresión de nuevos talentos, pero en esta ocasión se pretende abrir más horizontes a través de la música, las artes visuales y la tecnología.

LINE UP:

SCUBA (Reino Unido)

TIM HECKER (Canadá)

DJ HARVEY (Reino Unido)

NATHAN (Reino Unido)

NILS FRAHM (Alemania)

JON HOPKINS (Reino Unido)

ANDREW WEATHERALL (Reino Unido)

LUKE ABBOTT (Reino Unido)

EUPHORIE/ARQ1024 (Francia)

NOVI_SAD + RYOICHI KUROKAWA (Alemania/Japón)

ANTIVJ (Francia)

PACHANGA BOYS (REBOLLEDO+SUPERPITCHER) (México/Alemania)

ELEKTRO GUZZI (Australia)

SONJA MOONEAR (China)

LA VAMPIRES (Estados Unidos)

LE RÉVÉLATEUR (Canadá)

LVIS MEJIA (México)

MARCIN CZUBALA (Polonia)

LAO (México)

SHANTEL & BUCCOVINA CLUB ORKESTAR (Alemania)

CONTEXTO

MUTEK.MX es el Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica es originario de Canadá y considerado el más importante en nuestro país. Desde el 2003 ha buscado impactar al público gracias a la innovación y a las diferentes propuestas que presenta con el descubrimiento de artistas visionarios y originales. Busca mostrar la creatividad  de los artistas que presenta en sedes alternas a la Ciudad de México, constituyéndose como una de las ventanas de arte y música contemporánea más innovadoras a nivel internacional.

@eltonjohndotcom @sireltonhjohn en la onda de la música electrónica

Fuente: estereofonica.com

Elton John incursiona en la música electrónica de la mano del dúo australiano de DJ Pnau, “Good morning to the night” (“Buenos días a la noche”), ya está a la venta, ha informado Universal, la discográfica del artista.

“Con la bendición de Sir Elton, el dúo australiano Pnau reinventa una selección de antiguos clásicos elegidos de su repertorio entre 1970 y 1976, creando así un álbum único que fusiona el rock con la electrónica”, señala la compañía en un comunicado.

Algunas de las canciones del disco están creadas a partir de hasta seis temas diferentes del artista británico, “con material propio añadido”, indica la nota.

El primer sencillo, titulado igual que el disco, es “una irreconocible y maravillosa reinvención de la canción “Mona Lisas & Mad Hatters” (1972), mientras que el vídeo del segundo sencillo, “Sad”, incluye elementos sonoros de varias grabaciones originales de Elton John, entre ellas las de “Crazy Water”, “Sorry Seems To Be the Hardest Word” y “Friends”, añade.

@Sussie_4 al cuadrado

Fuente:informador.com.mx

 

GUADALAJARA, JALISCO.- Listos para regresar y con la mente repleta de sonidos alternativos. Sussie 4 cierra el año estrenando sonido, imagen, metas y material discográfico.

El dueto de música electrónica, compuesto por César Gudiño y Odín Parada presenta el disco Radio Latina, placa sonora que aparecerá en el mercado nacional a partir del próximo mes de septiembre y con la que pretenden conquistar a un nuevo público, manteniendo su tradicional sonido envolvente y, de paso, agregar diversos experimentos electrónicos a su galería acústica. Pero ojo, porque ésas no serán las únicas sorpresas con las que se encuentren los seguidores tradicionales de Sussie 4.

El primer sencillo que se desprende de esta producción es Mucho corazón, tema del que ayer se grabó el video en una casa ubicada sobre la calle Lago Ginebra, en Zapopan, con la participación especial de la cantante chilena Francisca Valenzuela en la voz. El disco se compone por canciones bien conocidas por el público, al ser temas clásicos de la canción latinoamericana.

Vestido todos en impecable color negro para la grabación del video  de Mucho Corazón al lado de Odín y Francisca, César accedió a platicar sobre Radio Latina, un material donde el dúo tuvo que hacer uso de “nuevos músculos” sonoros, aprender a relajarse más al momento de crear y a confiar en sus instintos.

 
 
—¿Por qué decidieron darle ese toque de “dueto” a “Radio Latina”?

—Ya teníamos pensado desde hace tiempo hacer una placa con muchas colaboraciones, una donde dijimos “vamos a aventamos un volado”, entonces nos metimos a hacer trabajo con gente que parecían posibilidades lejanas. Tenemos piezas con Eugenia León, con Jaramar, Ely Guerra, Juan Manuel Torreblanca, Chetes y con Ximena Sariñana, entre otros.

Son cosas que no hubiéramos pensado en hacer antes, pero el proyecto, que implica tocar canciones clásicas latinas, se prestaba para hacer muchos experimentos, en versiones según Sussie 4.

—¿Quién se adaptaba a quién en este proyecto?

—Definitivamente eran los invitados a Sussie 4. Nosotros hacíamos nuestra versión de las canciones, la avanzábamos casi hasta terminarla y la enviábamos con quienes queríamos que colaboraran con nosotros.

También es cierto que ahora hicimos un ejercicio muy diferente a lo que hacíamos en los discos anteriores.

—¿En qué consistió?

—Cuando hacíamos un dueto, nos gustaba estar con el invitado en el estudio. Ahora, por ejemplo, Francisca Valenzuela grabó su tema desde Chile; Ximena Sariñana hizo lo propio desde Los Ángeles, y así hubo un par más. Nosotros solíamos ser muy controladores de la música que hacemos, muy quisquillosos.

Para Radio Latina confiamos mucho en el talento de los colaboradores, nos relajamos mucho más en esta placa, porque antes queríamos controlar cada punto y en cada coma (risas). Muchas cosas estuvieron fuera de nuestras manos y finalmente el resultado es increíble.

—¿Usaron instrumentos con los que antes no hubieran jugado para crear sonidos?

—Sí, con bastantes. Jamás habíamos utilizado el theremín (un instrumento electrónico primitivo) que toca Chetes en Mucho corazón; jamás habíamos grabado un piano acústico, tampoco xilófonos. También cambiamos la forma de grabar y de manipular el audio.

—¿Es su material más experimental?

—(Risas) Le tenemos mucho cuidado a la palabra experimental. Cuando uno dice esa palabra, la gente piensa que los discos son cosas raras, que nunca se había hecho y muy difícil de escuchar.

Radio Latina es un disco con mucho corazón, con muy poca sobreproducción, efectos y manipulación de audio. Sí fue una apuesta, más que un experimento. Fue en cierta forma regresar a nuestras raíces, a lo que hicimos con el sonido de Música moderna. Fue un reto que creo que salió muy bien librado.

 
—¿Cómo se encuentra su agenda de cara a la segunda mitad del año?

—Estamos en la fase final de la gira de Internacional Sonora (el disco anterior de la banda). Comenzamos a presentar nuestro nuevo show en Guadalajara el 1 de septiembre, en el Festival 2012 (de la estación de radio RMX), que se va a llevar a cabo en Chapultepec, y pensamos que es un marco increíble para arrancar y ofrecer algunas canciones nuevas, pero no todas.

La presentación ya formal de todo el disco será en noviembre. Arrancaremos gira por las principales ciudades del país.

De todo un poco
Nace un nuevo género

¿A qué suena Radio Latina? Con una serie de invitados que tienen poco que ver entre sí, canciones clásicas del sonidero latino y el estilo de Sussie 4, el resultado es un mix de sonidos del que no hay referencias.

CC CMX: Primer Festival de Cine bajo licencias Creative Commons en la Ciudad de México

Autor: Pepe Flores / http://alt1040.com

Del 9 al 14 de julio, los habitantes de la Ciudad de México podrán disfrutar su Primer Festival de Cine bajo licencias Creative Commons (CC CMX). Se trata de un espacio en el que se proyectarán trabajos audiovisuales -cortometrajes, largometrajes, documentales- que se encuentren bajo este tipo de licencias de propiedad intelectual, con la finalidad de crear una red de difusión para nuevos creadores. ¿Cuál es la diferencia de este ciclo con el resto de la oferta en la ciudad? Para comprender su importancia, es necesario entender un poco sobre las licencias Creative Commons.

¿Qué es una licencia Creative Commons?

En 2001 surgió´Creative Commons, una organización no gubernamental sin fines de lucro dirigida por Lawrence Lessig, profesor de derecho de la Universidad de Stanford. La idea del proyecto fue desarrollar un grupo de licencias de propiedad intelectual (mejor conocidas como licencias de bienes creativos comunes) menos estrictas que las actuales, compatibles con las diferentes jurisdicciones del mundo, y que permitieran al autor dotar de flexibilidad a su obra. Las licencias Creative Commons están pensadas para un modelo de distribución basado en la copia, en un mundo donde la reproducción y distribución de obras son procesos al alcance de todos.

A lo largo de más de una década, las licencias han sido traducidas y adecuadas para ser compatibles con diferentes legislaciones del mundo, incluidas las de España, México y Argentina. Las licencias Creative Commons permiten al autor poner ciertas condiciones sobre su obra, como la libertad para reproducir bajo atribución, crear trabajos derivados o restringir la comercialización. Los términos están basados en el copyleft -neologismo acuñado en contraposición al copyright-, un juego de palabras cuyo significado podría ser traducido como“permiso de copia” (o en el sentido literal, el izquierdo de autor).

¿De dónde proviene el festival?

El festival de cine de la Ciudad de México es una copia del BccN Barcelona Creative Commons Film Festival. El evento español se realiza desde 2010 y está registrado bajo una licencia de Atribución No Comercial - Compartir Igual (CC-NA-SA). Esto quiere decir que cualquier persona en el mundo puede organizar un festival similar, siempre y cuando cumpla con dos condiciones:

• El beneficiario de la licencia tiene el derecho de copiar, distribuir, exhibir y representar la obra y hacer obras derivadas para fines no comerciales.

• El beneficiario de la licencia tiene el derecho de distribuir obras derivadas bajo una licencia idéntica a la licencia que regula la obra original.

El festival de Barcelona tendrá su tercera edición en los siguientes días (10 al 13 de mayo). Además de la capital mexicana, otras ciudades que han albergado el ciclo en este año fueron Madrid (19 - 22 de enero), Lima (28 de febrero a 2 de marzo) y Buenos Aires (13 al 16 de marzo).

¿De qué va el CC CMX?

El CC CMX se proyectará en diferentes sitios del Centro Histórico de México, como el Centro Cultural España, el Museo Nacional de Arte, la Universidad del Claustro de Sor Juana, entre otros. Además de los filmes, habrá un taller sobre el uso de licencias Creative Commonsen proyectos audiovisuales (muy importante para jóvenes realizadores), así como un par de mesas redondas temáticas: “El cine en la era de Internet” y “Los espacios en el cine”. Si les quedan dudas sobre el CC CMX -cómo inscribirse, cómo participar con sus trabajos- puedencontactar a los organizadores directo en el sitio del festival.

El Sónar convierte desde hoy a Barcelona en la capital de la música electrónica

Fuente: cadenaser.com

Con las entradas agotadas para el primer día de actuaciones, se prevé que el Sónar supere la asistencia del año pasado tras haber sido un éxito en ciudades como Tokyo o Sao Paulo.

El festival de música electrónica incorpora en esta edición espectáculos audiovisuales de gran impacto, donde destaca el componente tecnológico, la iluminación y los elementos escénicos.

Buen ejemplo de ello es Amon Tobin, quien presenta en su show esculturas en forma de cubo sobre los que proyecta juegos de luces. O Fatboy Slim, con un espectáculo cuya escenografía y luminosidad casan perfectamente.

Este año destacan también actuaciones de artistas invitados que rozan la extravagancia como los sudafricanos Die Antword o que tienen a priori poco que ver con la música electrónica. Sería el caso, por ejemplo de Lana del Rey que nunca antes ha actuado en España y que según el director del Sonar, Enric Palau, tiene muy claro donde se está metiendo.

El Sonar PRO, orientado a los profesionales del sector, prevé un crecimiento respecto al año anterior. 900 empresas de hasta 50 países y un total de 2500 profesionales analizarán el futuro de la industria. Repite por segundo año la propuesta abierta a 90 de los mejores hackers del mundo que tendrán 24 horas para crear alguna aplicación nueva relacionada con el consumo musical.

Una novedad para los que no puedan ir a Barcelona: a través del canal sonarfestival de Youtube se podrán seguir hasta 17 conciertos tanto de la programación de noche como del sonar de día.

-- iPhone edition

Es @Leocano en cabina de la nave @TronicaPodcast

Robert Moog da lecciones de música electrónica en Google

Fuente: LaVerdad.es

Hoy Google celebra el 78 aniversario del nacimiento de Robert Moog, conocido popularmente como 'Bob Moog'.

El gigante de intenet sustituye su logotipo habitual de la página principal en homenaje a Robert Moog, pionero de la música electrónica y el inventor del sintetizador Moog. El protagonista nació tal día como hoy en 1934 y su aportación a la música ha hecho que en la actualidad puedan producirse los sonidos electrónicos, tan importantes en la producción de la música popular actual.

El original 'doodle' de hoy recuerda al de la guitarra eléctrica jugable Gibson de Les Paul, se posa sobre Google e invita a los usuarios a tocar el sintetizador Moog. Más interactivo que nunca, Google vuelve a derrochar creatividad con su última creación, un sintetizador completamente funcional que permite reproducir, grabar y compartir en Google+ melodías creadas por los usuarios.

El funcionamiento del sintetizador de Google puede verse al detalle en la página web de Moog, donde se explica al detalle cómo usar el revolucionario 'doodle' creado con tecnología HTML5 para producir sonidos modulables de cosecha propia.

Tanto con el ratón directamente sobre el instrumento o con el teclado del ordenador se puede controlar el sintetizador de este piano especial de Google.

Muchos usuarios ya se han animado y están subiendo a YouTube sus composiciones y han averiguado un poco más sobre la historia de Robert Moog.

Las primeras letras de Google dan forma al mezclador, oscilador, filtro y envolvente, respectivamente. En la zona de mezclas se puede controlar el volumen y los osciladores. El artefacto permite también controlar la frencuencia del sonido y ajustar el tono con varias opciones, gracias a sus filtros. Toda una obra de programación para recordar a Robert Moog.

Una vez que el usuario grabe su propia pista, Google permite compartirla en su red social, Google+. La página oficial de Moog Music ha elaborado una guía de inicio rápido para quienes quieran aficionarse al teclado Moog o simplemente quieran aprender un poco más del invento de Robert Moog.

Los doodles de Google
Sin embargo, no es la primera vez que Google recurre a modificar su logotipo con un doodle para conmemorar algún aniversario sonado. El que habría sido el 65 cumpleaños de Freddie Mercury tuvo una celebración que dejó a todos boquiabiertos.

El buscador sustituyó su cabecera por un vídeo de dibujos animados que repasaba la carrera del fallecido vocalista de Queen. Un doodle conmemoró también los 112 años del nacimiento del escritor Jorge Luis Borges, presentándolo observando un paisaje futurista y onírico, el 75 aniversario del nacimiento de Jim Henson, creador de 'Los Teleñecos', el cumpleaños del pionero del 'stop motion' Art Clokey, el 118º aniversario de Albert Szent-Gyorgyi, descubridor de la vitamina C, el centenario del nacimiento de Mary Blair o la llegada al mundo de Marie Curie.
Sin duda, el aniversario es la excusa más recurrida para sorprender a los usuarios con un doodle. La lista es muy larga. Google ha conmemorado ya los 410 años del nacimiento del matemático Pierre de Fermat; el 144 cumpleaños del pianista y compositor Enrique Granados; los 133 años del nacimiento del escultor Alexander Calder; el 189 cumpleaños del padre de la genética, Gregor Mendel; los 96 años del nacimiento del guitarrista Lester William Polsfuss, Les Paul, un doodle en el que el usuario podía tocar la guitarra; los 117 años del nacimiento de la bailarina Martha Graham; el 200º aniversario de la llegada al mundo del químico Robert Bunsen; los 164 años del nacimiento de Thomas Edison; el 183º aniversario de Julio Verne; los 235 años del nacimiento de la novelista Jane Austen, el 112º aniversario de Charles Chaplin, que se celebró con un corto de cine en lugar del logo de Google; el 137º cumpleaños de Harry Houdini; los 172 años del nacimiento del pintor Paul Cézanne; el 120º aniversario de la escritora Agatha Christie; los 115 años del nacimiento del murciano Juan de la Cierva o los 76 años del nacimiento del dibujante Roger Hargreaves.

No sólo las personas cumplen años. Un doodle conmemoró también los 450 años del inicio de la construcción de la Catedral de San Basilio en Moscú; el medio siglo de la llegada del hombre al espacio; el 65º cumpleaños de Pipi Calzaslargas; el medio siglo desde que Hanna-Barbera crease a Los Picapiedra; los 115 años del descubrimiento de los Rayos X o el propio aniversario de Google, que suele ser celebrado con un 'doodle tarta'. Google también conmemoró con un lazo negro a las víctimas del 11-M.
Pero Google no vive exclusivamente de efemérides. El gigante americano ha aprovechado también acontecimientos más concretos para tirar de doodle. Así, son recordados los dedicados al eclipse lunar, en el que el usuario podía ver todos los estados de la luna durante el fenómeno astrológico; a la visita de la reina Isabel II a las instalaciones de Google o a los solsticios de verano e invierno.
También han sido motivo de doodle festividades como el día de la madre, el día internacional de la mujer, San Valentín o la Navidad.



-- iPhone edition

Integrante de Plastilina Mosh, @MiltonPacheco presenta disco como solista

Agencia: Notimex

El músico Milton Pacheco, colaborador de la banda Plastilina Mosh, presenta su nueva faceta como solista con el disco On my way to Monterrey , el cual refleja de manera divertida y a través de la música electrónica la travesía del artista a lo largo de su trayectoria.




"El título del disco refleja esos años de travesía, en él hay muchos pasajes difíciles, ciertas adversidades que he tenido en mi vida los cuales se ven plasmados en este trabajo, pero como no quería que fuera un álbum muy depresivo, lo acompañé de música electrónica que es el género con el que más me identifico" , señaló.

En entrevista, Pacheco afirmó que este material cuenta con nueve temas de su autoría, los cuales están escritos totalmente en inglés, idioma que domina a la perfección gracias a que siempre ha vivido en la frontera; y cree es un idioma que se acopla muy bien con la música electrónica.




Acerca de su inquietud por realizar un álbum solista, el cantante comentó que desde hace 10 años inició con el proyecto el cual empezó a grabar hace cinco y el cual finalmente terminó durante 2011, gracias a una pausa como integrante de la banda conformada por Jonas y Rosso.

"Durante los años que llevo en esta industria siempre he hecho cosas con la música de otros, por lo que ahora que empiezo a tocar lo mío siento un gran desafío, ya que toda la responsabilidad de lo que suceda con este proyecto cae sobre mis hombros" , mencionó.




Acerca de cómo se siente en esta nueva faceta, el cantante aseveró que es un sueño que tenía desde joven y que siempre quiso hacerlo de manera profesional.

Por ello, dijo que inició como pinchadiscos y de esta manera lo invitaron para ser músico de Plastilina Mosh, lo que le ha significado una gran experiencia en la que lleva ocho años.

"El álbum está divertido, si escuchas sólo la música te diviertes pero si pones atención a la letra, verás que cuenta con contenido profundo y autobiográfico" , resaltó.




El álbum, que este mes se encuentra a la venta en descarga digital, tiene como primer sencillo Should I call? , que es un tema romántico al cual Pacheco consideró como cursi y su placer culpable. Asimismo, este corte cuenta con un videoclip realizado por Luis Espinoza, en el que se narra una historia de terror, lo que contrasta con la sensibilidad de la letra.

Pacheco recordó que en sus inicios como músico tuvo que trabajar como DJ en Monterrey a donde llegó proveniente de Mexicali, ya que aunque actualmente en esa ciudad fronteriza hay una escena musical importante, en aquellos años no existía.




"Llevo ocho años en Monterrey, llegué a esa ciudad para perseguir una carrera artística, no elegí el DF porque esta ciudad es muy grande y estaba muy lejos, además no conocía a nadie por acá por lo que tendría que llegar a la nada; en cambio, en Monterrey tenía conocidos y eso me hizo sentir más seguro" , relató.

Para finalizar, Milton Pacheco declaró que regresará a la capital mexicana a finales de este mes y entre sus planes se encuentra hacer una gira por la República Mexicana durante este año y espera que en 2013 pueda presentarse en Estados Unidos.



-- iPhone edition

Los mexicanos ponen a bailar a Coachella en EU

Autor: elUniversal.com.mx

INDIO, California.— Ximena Sariñana y la agrupación Hello Seahorse!, encabezada por la cantante Lo Blondo, fueron las representaciones mexicanas durante el primer día de actividades de la 13 edición del Festival Coachella, que arrancó el viernes.

La presentación de Hello Seahorse! se dio en un horario en el que mucha gente aún no llega para disfrutar del evento musical.

“Una aspira a llegar a una plataforma como Coachella, en donde compartes escenario con bandas internacionales. Es muy gratificante para nosotros, que cantamos en español, que los grupos latinos tengamos esta oportunidad”, dijo la intérprete Lo Blondo.

Otra de las intervenciones latinas corrió a cargo de Ximena Sariñana, cuya actuación se realizó en el escenario OutDoor Theatre.

No es la primera vez que la hija del cineasta Fernando Sariñana (Amar te duele y Todo el poder) actúa en un evento de esta magnitud, ya que el año pasado se presentó en Lollapalooza, en Chicago.

Durante su concierto en Coachella, Sariñana se refirió a California como su segundo hogar.

“El español es algo que nunca voy a dejar, pero ahora estoy viviendo en Estados Unidos y me gusta también escribir en inglés, tengo mucho que aprender y me emociona explorar este territorio”, había dicho Sariñana a EL UNIVERSAL, horas antes de tocar en el escenario que aglutina a los mejores del momento.

Día bueno

La cantante mexico-estadounidense Hope Sandoval, vocalista de la agrupación Mazzy Star, era una de las mujeres más esperadas durante el primer día de actividades.

Sandoval y su compañero David Roback aparecerían en público, después de 12 años de inactividad como líderes de Mazzy Star.

De acuerdo con información publicada en su sitio oficial a finales de 2011, ambos trabajan actualmente en la composición de las canciones que conformarán su cuarto álbum.

La agrupación británica James, que se presentará en México en unos días más, protagonizó una de las intervenciones más emotivas durante su debut en el festival.

El cantante Tim Booth hizo gala de sus dotes rítmicos y puso a bailar a unas 15 mil personas reunidas alrededor del escenario principal, quienes corearon efusivas temas como “Sometimes”, “Ring the Bells”, “Sit Down” y “Tomorrow”.

Durante su interpretación de Laid”, Booth invitó a un grupo de mujeres al escenario para que bailaran junto con él.

El vocalista también quiso sentir en carne propia el calor de la gente y bajó del entarimado para abrazar y saludar a sus admiradores.

Pulp, The Arctic Monkeys, Madness, Neon Indian, WU LYF, The Rapture, M83, The Horrors y el estelar de la noche, The Black Keys, son algunas de las agrupaciones que han causado mayor expectativa entre el público.

Los horarios y presentaciones están detallados en el canal de YouTube de Coachella, para que el público no se pierda a sus grupos o cantantes favoritos.

Ayer se presentaron, entre otros, la banda inglesa Wild Beasts, la estadunidense Oberhofer, así como Santigold, Real Estate, The Growlers, Fitz and the Tantrums, Seun Kuti & Egypt 80.

También Band of Skulls, Wild Flag, Beats Antique, Greg Ginn, The Hives, The Airplane Boys, Justice, Beirut, Gotye, Modeselektor, Florence + the Machine y TBA.

Por primera vez, el Festival de Música y Artes del Valle de Coachella (Coachella Valley Music and Arts Festival) se realiza durante dos fines de semana consecutivos.

El evento es un festival de rock, alternativo, hip hop y música electrónica y se lleva a cabo en el Empire Polo Field, en Indio, California.

En total serán 60 bandas las que participen en el evento internacional, que inició hace 13 años. (Con información de agencias)


-- iPhone edition

Abre las puertas al 'synth'

Autora: Elena Cabrera / Lainformacion.com

“Los melómanos de corte enfermizo tendemos a la sobreclasificación de los géneros” diceTito Ruano y añade que la prensa especializada también. El proyecto de agitación musical del que forma parte, Valle Eléctrico, ha sido autoclasificado bajo las etiquetas de post-electro clash, synth noise, disco dream pop, synth goth y pop nórdico. “Valle Eléctrico quiere aglutinar cualquier traza electrónica en la que los sintentizadores no sólo son uno de los que instrumentos principales, sino que marcan la propia identidad de su música”. Así que, por usar una resonante palabra ochentera que en España no tuvo mucha penetración, llamémoslo synth.

“Esa reformulación de los sonidos ochentosos, ese espíritu de componer para provocar el baile instantáneo, se ha transmutado. Hay cientos de nuevas formaciones que han decidido beber directamente del pasado y darle nuevos colores” explica Ruano. 

De las raíces del synthpop hoy nos llega synth-punk, synth-goth o synth-noize. El dreampop hazlo de baile y tenemos disco-dreampop. El electroclash hazlo oscuro y tenemos post-electroclash. Al witch house ponle algo que parezca un estribillo y tendremos glitch pop hipnagógico. Quizás en esa última nos hemos sobrado, pero es que hay que experimentar.

Ruano lo clarifica mejor: “Han mezclado electro pop con sónidos góticos, ruido industrial, sonidos evocadores de baja fidelidad, gamberrismos y así, tantas ideas nuevas, que nosotros hemos decidido decir ‘ok, ¿hay mucha variedad, porque no reenfocarla en un club mensual, sincero y honesto que crea que esa música es la mejor para bailar?’ Si hay clubs de techno, house, dance, dubstep o bass music, ¿por qué no el club donde el sintetizador sea su alter ego?”.

 

En la música pop se habla de escenas como una estructuración paralela a la de los géneros. A veces la escena es tan pequeña como la de tres amigos en Las Matas o tan grande como la del hip-hop. “Las escenas surgen cuando distintos artistas, bajo una misma identidad creativa y estilística, sustentan unos parámetros y códigos como medio de creación y expresión artística. Nosotros hablamos de escena, porque creemos en un espíritu de entender de música, algo mucho más atemporal que los géneros musicales”.

El objetivo de Valle Eléctrico es cimentar una escena synth en Madrid. “Una escena synth es algo que nosotros queremos crear, pero como tal no existe” a pesar de ciertos núcleos creativos en Brooklyn, Reino Unido, San Francisco, San Diego o Canadá, señala Ruano. Pero crearla en Madrid lo consideraban casi “imposible” porque “Barcelona ha eclipsado el efecto ya que los festivales más importantes que apuestan por la electrónica de nuevos sonidos y los locales que arriesgan en programación, como Razzmatazz y Nitsaestán en esa ciudad”. Madrid juega en desventaja. “La razón reside en que en Madrid los públicos no tienen costumbre en salir en función de quién es el artista que toca o pincha, pero porque los programadores no se han preocupado de crear esa necesidad, como sí ocurre en Barcelona”. Tito opina que se ha seguido la fórmula del éxito fácil y la capital huye del riesgo, “el publico se ha tenido que acostumbrar a ser pasivo y no exigente”. El programador cree que para crear ese cambio hay que ser constantes y sentar precedentes. “Madrid necesita un cambio y los públicos nocturnos lo piden”.

En Valle Eléctrico creen que ese público existe y está huérfano de escena. Es una audiencia entre los 22 y 40 años, residentes en Madrid capital y “con objetivo de la fauna deMalasaña”. Son habituales de festivales como Primavera Sound y Primavera Club oSónar, que se hacen en Barcelona; Paredes de Coura, en Portugal o ECO Festival, cuya primera edición ha tenido lugar recientemente en Matadero Madrid. Son “melómanos que rastrean en la red grupos noveles y nuevos artistas, buscan los conciertos por eventos del Last.fm y agendas de blogs de música especializada, leen revistas de tendencias y no son conformistas”, esta es la definición que Tito Ruano afirma que diría un “analista de públicos” pero ahora vayamos a por la opinión del agitador: “es un público ecléctico, de distintos estudios pero para el que la música representa un paso más al simple pasatiempo, es incluso un modo de vida. Y eso es lo bonito, una nueva generación que aparte de idolatrar el vinilo e incluso el retorno del cassette, no se conforma con los mass media y realmente se preocupa de investigar”.

Klaus'n'Kinski estrenan "Herrero y fatigas", forma electrónica y pop de fondo

Agencia: EFE

"Herrero y fatigas" ha sido el nombre elegido por los murcianos de Klaus&Kinski, conocidos por el eclecticismo sonoro que caracteriza su carrera, para titular su tercer álbum de estudio, que describen como un disco con forma electrónica y pop de fondo.

"El sambenito de eclécticos no nos lo vamos a quitar", confiesa en una entrevista con Efe el principal impulsor del proyecto, Alejandro Martínez, aunque matiza que en esta entrega se han centrado en "ciertas líneas maestras de estilo" que les hacen "más reconocibles".

Uno de estos pilares es la música electrónica construida a base de sintetizadores, que combinan en "Herrero y fatigas" con su faceta "más etérea y ambiental", en la que cobra una importancia decisiva la voz "lánguida y dulce" de su vocalista, Marina Gómez.

El uso de la cuerda también ha ganado fuerza, con la incorporación de una violinista a la banda, en un disco elaborado para suceder a "Tierra, trágalos" (2010), con el que recorrieron festivales como Contempopranea o Lemon Pop.

En este sentido, Martínez describe a los integrantes de Klaus&Kinski como músicos "muy desprejuiciados" que afrontan las incursiones en géneros como la habanera o la canción popular flamenca obedeciendo a sus propias "pulsiones", sin tener en cuenta los "clichés y límites" que se autoimponen otras formaciones.

"La gente está acostumbrada a que salgamos con cosas poco ortodoxas dentro del pop rock", sostiene antes de recordar que su objetivo es alcanzar una personalidad tan fuerte que sea capaz de homogeneizar todos los estilos que practican, como hicieron en su día The Beatles o The Cure.

A pesar de ser encasillados por los medios y el público dentro del género "indie", Marina Gómez dice no sentirse "parte de nada" y añade sin tapujos: "La mayoría de estos grupos nos parecen una mierda".

Alejandro Martínez, por su parte, reconoce que se ha perdido la esencia de este movimiento, siendo cada vez más "permeable" la frontera que lo separa de la radio fórmula. "Quedan los rasgos, las formas académicas", admite.

Su carencia de prejuicios se refleja también en el título de canciones como "Mengele y el amor", en las que practican un "humor negro" del que se sirven únicamente como recurso literario.

"Necesitas interconectar situaciones y pensamientos que den lugar a un plano más trascendente", comenta Martínez, encargado de componer todas las letras.

Como adelanto de "Herrero y fatigas", Klaus&Kinski publicaron recientemente el videoclip de "Ojo por diente", en el que muestran la aburrida cotidianeidad de un matrimonio. "No tengo nada en contra del matrimonio conceptualmente -matiza su cantante-, pero las bodas me parecen un alarde de horterada bastante prescindible".

Aunque su trayectoria musical ha recibido muy buenas críticas, sus componentes siguen manteniendo trabajos paralelos. "La lucha diaria es la de intentar profesionalizarse", señala Martínez, quien lamenta la "inestabilidad permanente" en la que viven.

"Independientemente de que el disco sea mejor o peor, la situación es peor", recuerda Gómez sobre la dificultad para concertar directos en medio de una coyuntura económica negativa.